pequeños discos rojos en una caja negra

Vredens Dag

2008-10-26T12:33:00.000-07:00

Ante la eliminación automática y sin derecho a réplica de tres entradas del blog (cuestión sobre la que me explayé cuanto -poco- pude en el post anterior) y el temor a una caza de brujas desde Blogger en lo general y una eliminación definitiva de mi usuario en lo particular, he decidido pasarme a WordPress.

pequeños discos rojos ya tiene su pequeño espacio allá, pero recién en los próximos días podré diseñarlo de forma más personal y comenzar a subir discos. Por lo pronto, este es el link.

Saludos.

Vergonzoso

2008-10-24T15:38:00.001-07:00

Vergonzoso. Blogger borró tres entradas de este blog sin avisar. O sea, avisando, pero sin esperar a que pueda guardar su contenido antes del borrado y cagándose olímpicamente en los comentarios de otros usuarios allí archivados. Veré de hacer un próximo traslado a otro servidor, aunque por cuestiones de tiempo no puedo asegurar nada.

Es detestable que les importen tan poco las pérdidas que puedan llegar a resultar del borrado automático de entradas. Acción puramente dictatorial. No tengo interés en seguir soportando ese tipo de decisiones.

Comento que los discos -y entradas- eliminados son: At War With the Mystics de los Flaming Lips, Tupelo Honey de Van Morrison y "Jeru" de Gerry Mulligan.

Saludos.

National Health - "Of Queues and Cures" (1978) - re-subido

2008-10-22T07:21:00.000-07:00

Volví a subir a un servidor Of Queues and Cures de National Health, acá.

Zappa - "You Can't Do That On Stage Anymore, Vol. 2: The Helsinki Concert" (1974 / 1988)

2008-10-19T10:22:00.000-07:00

Grabado en septiembre de 1974, al año siguiente del magnífico Roxy & Elsewhere, The Helsinki Concert es otra joya en vivo del Zappa pseudo-fusionero y compositivamente intrincadísimo de comienzos-mediados de los 70s. La cantidad de músicos, respecto de Roxy, disminuyó: Frank, Napoleon Murphy Brock, George Duke, Ruth Underwood, Tom Fowler y Chester Thompson. La música suena más ajustada y, por más difícil que resulte creerlo, las interpretaciones son aún más veloces y experimentadas que en el vivo anterior.

Como bien dice el bigotudo en las liner notes: "[...] the ultra fast tempos on the more difficult tunes demonstrate what happens when a band has played the material for a year, and is so comfortable with it they could probably perform it blindfolded" ("[...] los tempos ultra veloces en los temas más difíciles demuestran qué ocurre cuando una banda ha estado tocando el material por un año, y está tan cómoda con él que probablemente podría interpretarlo con los ojos vendados"). No es casual que, de los seis volúmenes de la serie You Can't Do That On Stage Anymore -editados entre 1988 y 1992; arreglados, producidos, compilados y editados por Frank-, este sea el único compuesto por la música de una sola agrupación. Todos los demás poseen grabaciones de diferentes conjuntos, alternando entre interpretaciones en vivo de diferentes épocas, para conformar una suerte de collage zappeano enorme y variadísimo.

Volviendo a este segundo volumen: la trilogía mágica de Roxy (Village of the Sun, Echidna's Arf (Of You) y Don't You Ever Wash That Thing?) está presente. También Cheepnis y Pygmy Twylyte; temas de los primeros Mothers, como The Idiot Bastard Son; canciones que aún no habían sido grabadas en estudio, como Inca Roads o Tush Tush Tush (A Token of My Extreme); y varias piezas reconstruidas de Uncle Meat. Y, lo que es mejor, temas que jamás fueron grabados en otros discos, como Room Service, Building a Girl y una curiosísima versión de Satumaa (Finnish Tango).

En estas grabaciones finlandesas también se encuentran algunos de los mejores solos de todos los involucrados; en especial de Zappa que, al ser el único guitarrista del conjunto, e interpretar una música que por momentos requiere tanta guitarra, tiene que darle rienda suelta a una variedad enorme de recursos. En otros momentos, desprende un hermoso sonido grueso, sucio, algo opaco, apenas metálico, que contrasta llamativamente con las notas danzantes, mínimas, veloces y fugaces de Duke y Underwood. El humor, claro, también está presente; ya sea en los diálogos o en las letras de las canciones.

Si bien el primer disco es ligeramente superior al segundo, escuchar de corrido a las casi dos horas de este álbum es sumergirse de lleno en una de las mejores facetas de Zappa, en la cual la sorpresa instrumental, la búsqueda melódica, la rítmica intrincada, el grotesco y la abstracción satírica se equilibran de forma perfecta.

Disc One:
01 - Tush Tush Tush (A Token of My Extreme)
02 - Stinkfoot
03 - Inca Roads
04 - RDNZL
05 - Village of the Sun
06 - Echidna's Arf (Of You)
07 - Don't You Ever Wash That Thing?
08 - Pygmy Twylyte
09 - Room Service
10 - The Idiot Bastard Son
11 - Cheepnis
Disc Two:
12 - Approximate
13 - Dupree's Paradise
14 - Satumaa (Finnish Tango)
15 - T'Mershi Duween
16 - The Dog Breath Variations
17 - Uncle Meat
18 - Building a Girl
19 - Montana (Whipping Floss)
20 - Big Swifty

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John McLaughlin Trio - "Live at the Royal Festival Hall" (1989)

2008-10-18T20:49:00.001-07:00

El John McLaughlin Trio consistía en el guitarrista, Kai Eckhardt en bajo eléctrico y Trilok Gurtu en percusión. Este álbum, grabado en vivo el 27 de noviembre de 1989 en el Royal Festival Hall londinense, lo presenta en uno de sus picos de creatividad improvisadora y sutileza tímbrica. El sonido es puro, despojado de artificios. McLaughlin alterna entre guitarra acústica y su sintetizador de guitarra Photon, empleado con un máximo de buen gusto y tensión muda. El set percutivo de Gurtu parece flotar en el aire. Eckhardt es uno de los bajistas eléctricos más líricos que he escuchado en mucho tiempo.

Perfectos narradores instrumentales, pasan de calma absoluta apenas audible al mayor despliegue energético en un par de segundos y casi sin que se perciba. La apertura de Florianopolis tiene mucho de ese hermoso McLaughlin acústico pasional de Belo Horizonte. El jugueteo vocal amistoso de Blues for L.W. es una gloria. La versión de Blue in Green de Miles Davis, sencillamente bestial. Para amantes de su música y para los otros. Para amantes del jazz y para los otros. Que no sea uno de los discos más recordados de Juancito es una auténtica injusticia.

01 - Blue in Green
02 - a. Just Ideas
.......b. Jozy
03 - Florianopolis
04 - Pasha's Love
05 - Mother Tongues
06 - Blues for L.W.

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Monk - "Live at the It Club [Complete]" (1964)

2008-10-11T20:21:00.000-07:00

Esta versión completa de los conciertos que Thelonious Monk y su cuarteto brindaron en el Club It el 31 de octubre y 1º de noviembre de 1964 son, creo, una muestra cabal de las asombrosas cualidades interpretativas del pianista -por si todavía hoy, alguien, en algún lugar, tiene ganas de ponerlas en duda. Porque más allá de la brillantez compositiva, la sensibilidad, la creatividad y el descomunal sentido rítmico, hay algo en esas manos que todavía me resulta difícil de descifrar; una especie de ductilidad sobrenatural que hacen posible la creación de algunas de las armonías más bellas imaginables.

La banda que lo acompaña -Charlie Rouse, Larry Gales, Ben Riley- es maravillosa; destacando en particular Rouse, cuyo saxo tenor cálido y apenas salvaje es un compañero ideal para el piano de Monk. Fluidez bop en su estado más racional y simultáneamente catártico; a la vez progresivo y circular. Y Thelonious siempre ingeniándoselas para inyectar melodías memorables en cada espacio posible. Más de dos horas y media de una de las más hermosas grabaciones en vivo de uno de los más geniales músicos del siglo. Well, You Needn't, Rhythm-a-ning, Straight, No Chaser, Misterioso... Ni un segundo de respiro.

Disc One:
01 - Blue Monk
02 - Well, You Needn't
03 - 'Round Midnight
04 - Rhythm-a-ning
05 - Blues Five Spot
06 - Bemsha Swing
07 - Evidence
08 - Nutty
09 - Epistrophy [Theme]
Disc Two:
10 - Straight, No Chaser
11 - Teo
12 - I'm Getting Sentimental Over You
13 - Misterioso
14 - Gallop's Gallop
15 - Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-Are
16 - Bright Mississippi
17 - Just You, Just Me
18 - All the Things You Are
19 - Epistrophy [Theme]

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National Health - "Of Queues and Cures" (1978)

2008-10-09T16:35:00.000-07:00

El segundo disco de National Health, una de las más maravillosas bandas canterbureanas, cruza con eficacia la experimentación de -por ejemplo- Hatfield and the North con las búsquedas rítmicas jazzeras de -por ejemplo- Gilgamesh. Los músicos son cuatro de los más dúctiles y creativos de la escena: Phil Miller, Pip Pyle, John Greaves y Dave Stewart.

La guitarra de Miller es casi siempre ácida y desagradable. Stewart es de lo mejor del cuarteto cuando aporta armonías jazzeras con el piano eléctrico. Las composiciones son largas y cambiantes; siempre inquietas. Los músicos intercalan protagonismo con muy buen criterio. Un segundo predomina la saturación de Miller y los bajos se ponen oceánicamente invasivos, y al siguiente los cuatro están saltando entre notas chiquitas, hipnotizando con alguna melodía más o menos amena pero que indefectiblemente asusta al ser repetida más de tres veces. ¿Y cuando hacen un rock relativamente más convencional? Dreams Wide Awake tiene algunos de los efectos de guitarra más embrujados que escuché en mucho tiempo.

La pregunta fue, es y será cómo hacen estos muchachos para enganchar partes tan diversas y heterogéneas -casi nunca reiterando, casi siempre avanzando- con resultados tan positivos. Pura genialidad.

01 - The Bryden 2-Step (for Amphibians) [Part 1]
02 - The Collapso
03 - Squarer for Maud
04 - Dreams Wide Awake
05 - Binoculars
06 - Phlâkhatön
07 - The Bryden 2-Step (for Amphibians) [Part 2]

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"Paul Motian and the Electric Bebop Band with Joshua Redman" (1992)

2008-10-09T13:54:00.000-07:00

El quinteto de este disco no tiene desperdicio: Paul Motian (batería), Joshua Redman (saxo tenor), Brad Schoeppach (guitarra), Kurt Rosenwinkel (guitarra) y Stomu Takeishi (bajo). Bop súper enérgico electrificado. Composiciones de Parker, Monk, Gillespie, Powell. Tanto groove de hard-bop cincuentero como rastros de la sofisticación del jazz eléctrico de Scofield, Frisell o Swallow. Una música que, sin ser necesariamente novedosa, es fresquísima y muy disfrutable. El disco valdría la pena, aunque más no fuera, por la sensibilidad de Motian y por los cruces entre las guitarras, tan dulces y hambrientas. La llevada admirable de Takeishi, los riffs enganchadores, y el sonido clásico, añejo, del saxo de Redman -al cual le dan espacio para varios solos geniales- hacen el resto.

01 - Shaw-Nuff
02 - I Waited for You
03 - Dance of the Infidels
04 - Darn That Dream
05 - Hot House
06 - Dizzy Atmosphere
07 - Scrapple from the Apple
08 - Scrapple from the Apple
09 - Monk's Dream
10 - 52nd Street Theme

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Caravan - "For Girls Who Grow Plump in the Night" (1973) - re-subido

2008-10-05T10:43:00.000-07:00

Volví a subir For Girls Who Grow Plump in the Night de Caravan, acá.

Miles Davis - "Seven Steps to Heaven" (1963) - bonus tracks re-subidos

2008-10-03T00:11:00.001-07:00

Volví a subir los bonus tracks de Seven Steps to Heaven, de Miles Davis, acá.

"Duke Ellington's Far East Suite" (1967)

2008-09-29T23:34:00.000-07:00

Colaboración del compañero bloguero-melómano Psicodelia Pura. ¡Muchísimas gracias!

-> Dijo Psicodelia Pura:

Les envio una maravilla lanzada por el gran Duke Ellington en el año 1966, como consecuencia de la gira que había realizado junto con su banda por Medio Oriente 2 años antes.
Un gran disco, con melodias fantasticas para los oídos como "Blue Pepper", "Agra" o "Mount Harissa" solo por nombrar algunos. Una belleza por donde se lo escuche. Espero que lo disfruten.

-> Dijo Josef Gaishun:

Este hermoso trabajo de Duke Ellington y su gran banda, grabado a finales de 1966, resulta no solo uno de sus discos más atractivos de aquellos años -signados, en especial, por sus grabaciones junto a Ella Fitzgerald-, sino también una de las mejores introducciones a su mundo. Acompañado por bestias como el saxofonista Johnny Hodges, el trombonista Lawrence Brown y el trompetista Cootie Williams, el pianista se inspiró, a la hora de componer e interpretar Far East Suite, en viajes realizados junto a su orquesta por África y Asia durante 1963.

El sonido por momentos épico está presente. El swing descomunal, también. Y los arreglos de vientos trabajadísimos y bombásticos. Y la columna vertebral bajo/batería majestuosa. Y el viejo Ellington cargándose la orquesta al hombro, con un sentido melódico que ha marcado durante décadas a géneros como el soul o el rhythm and blues, y, por momentos, con una llevada dueña de más garra que casi todo el rock que se escucha hoy por ahí (quien no me crea, que escuche Blue Pepper (Far East of the Blues)). Texturas suaves, climas elegantes -aunque vitales, muy vitales-, y composiciones complejas y multi-climáticas para big band que, si bien habían roto estructuras varios años atrás, en este álbum -como en montones posteriores, de diversos artistas, de más está decirlo- siguen sonando descomunalmente frescas.

01 - Tourist Point of View
02 - Bluebird of Delhi (Mynah)
03 - Isfahan
04 - Depk
05 - Mount Harissa
06 - Blue Pepper (Far East of the Blues)
07 - Agra
08 - Amad
09 - Ad Lib on Nippon

Bonus tracks:
10 - Tourist Point of View [unissued alternate take]
11 - Amad [unissued alternate take]
12 - Bluebird of Delhi (Mynah) [previously issued alternate take]
13 - Bluebird of Delhi (Mynah) [unissued alternate take]
14 - Isfahan [previously issued alternate take]
15 - Depk [unissued alternate take]
16 - Mount Harissa [unissued alternate take]

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Duke Ellington's Far East Suite (re-up 24/12/08) @320 kbp/s
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Larry Young - "Unity" (1965)

2008-09-28T21:08:00.000-07:00

Tal vez necesite prestarle más oído al asunto, pero lo cierto es que no conozco a demasiados organistas capaces de interpretar a su instrumento con verdadera imaginación y un buen gusto absoluto. Menos aún, de poner al órgano en posición de instrumento líder y que el resultado sea plenamente satisfactorio. Sin embargo, Larry Young, músico de corta vida e igualmente corta -aunque intensa- carrera, logró con Unity una obra gloriosa, que está, tal vez, entre lo mejor de la música modal de su época.

Acompañado por Joe Henderson en saxo tenor, Woody Shaw en trompeta y Elvin Jones en batería, Young decide darle a su instrumento un empleo radicalmente diferente del usual. Su jazz no tiene nada de suave ni de relajado (digamos: nada de smooth-jazz), y hay poco de lo que más adelante daría en llamarse fusión. Por otra parte, tampoco podría considerarse a la música que hay acá como free jazz: las composiciones y solos poseen estructuras tradicionales y los estilos interpretativos de los cuatro músicos no son disonantes ni de difícil acceso. Hay ritmos ágiles y melodías preciosas, en especial de parte del bueno de Larry.

Aparte de la presencia de los descomunales Jones y Henderson, es notable la fuerte participación de Shaw en la creación del álbum. Más allá de la inestimable magia de su trompeta, tan vital, con fuertes raíces en el jazz de los 40s y 50s, el músico aporta tres composiciones descomunales, que se complementan a la perfección con una de Henderson, Monk's Dream de Thelonious y la hermosísima Softly As in a Morning Sunrise de Romberg y Hammerstein II. Ya la sola selección de estos dos últimos temas, sumada a la creatividad de los músicos involucrados, hace que el disco valga la pena. A eso hay que agregarle lo particular que resulta escuchar a un órgano como instrumento líder en un trabajo de jazz modal / post-bop. Y, después de escucharlo y disfrutarlo infinitas veces, hacerle caso a las palabras del crítico Bob Blumenthal: "tresaure this album, and share it with an organ-averse friend" ("atesora este disco, y compártelo con un amigo que sienta aversión por el órgano").

01 - Zoltan
02 - Monk's Dream
03 - If
04 - The Moontrane
05 - Softly As in a Morning Sunrise
06 - Beyond All Limits

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Arrigo Barnabé - "Tubarões Voadores" (1984)

2008-09-27T21:12:00.000-07:00

Algunos relacionan a su música con la de Frank Zappa, y es cierto que algo de eso hay. Sin embargo, lo que hace Arrigo Barnabé, compositor, tecladista y cantante brasilero, se resiste a ser comparado y encasillado en ningún género o corriente. En Barnabé -y su segundo trabajo, Tubarões Voadores, es un excelente ejemplo- conviven instrumentaciones que parecen incompatibles, muchísima imaginación, sensibilidad en tono pop de cámara y ritmos que invitan a mover el cuerpo.

Por lo general, las bases tienen un aire fusionero, si bien la complejidad de la música no pasa nunca por la velocidad, los cortes inesperados ni los solos imposibles. Podría hablarse, creo yo, de que una de las mayores sorpresas que encierra un disco como Tubarões Voadores es la capacidad de crear composiciones que parecen ir siempre para adelante; con voces que cantan en la misma medida en que monologan y dialogan, mientras las instrumentaciones encierran muchas más variaciones de las que pueden apreciarse en una primera escuchada. Muchísimos teclados, más de sesenta músicos (!), varios arreglos deliciosos de vientos y cuerdas, y una sensación general cinematográfica, teatral; se perciben por todas partes historias, situaciones y personajes, sin por eso poder afirmarse que se trata de un disco conceptual.

La banda suena ajustadísima, conjugando muy bien enfoque con libertad interpretativa. Casi siempre se manejan en medio tempos. Muchos cantantes excelentes, coros, voces, gritos, chillidos; siempre con un trabajo melódico genial. Arrigo y su banda no pretenden trascender límites en lo que refiere a texturas, ni climas, ni experimentar por los caminos de lo abstracto; más bien, parece que quisieran crear un circo enorme, juguetón, con máscaras, maquillaje, disfraces y personajes estrafalarios. Escenarios fellinescos donde lo perturbador se convierte en alegría pura. Aunque tal vez no pretenda ser necesariamente novedosa, la música de Tubarões Voadores sí le apuesta a la frescura, al abordar estilos variados desde una óptica nueva, con la cabeza más puesta en el placer y la belleza que en la sofisticación y la transgresión. En cierto modo, sin embargo, Barnabé y sus compañeros logran ambas cosas.

01 - Tubarões Voadores
02 - Crotalus Terríficus
03 - Mística
04 - Neide Manicure Pedicure
05 - Canção do Astronauta Perdido
06 - Kid Supérfluo, Consumidor Implacável
07 - Papai Não Gostou
08 - Lenda
09 - A Europa Curvou-se Ante o Brasil
10 - Mirante

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Zappa - "The Best Band You Never Heard in Your Life" (1988 / 1991)

2008-09-21T20:57:00.000-07:00

The Best Band You Never Heard in Your Life es uno de los discos en vivo más gigantes de Frank Zappa: grabado entre febrero y junio de 1988, y editado por primera vez recién en 1991, es uno de esos curiosos trabajos que pueden jactarse de ser capaces de mantener atento al oyente durante más de ciento treinta minutos, descomunales y multifacéticos.

Más allá de la broma del título, considero que la de este álbum es una de las mejores bandas de Zappa. Tal vez no esté a la altura de la frescura renovadora y rupturista de los primeros Mothers of Invention, ni sea la súper máquina fusionera del período '73/'74, pero sí me parece que hacía varios años que Frank no tocaba con un conjunto tan vital y estimulante como este. Con músicos como Bruce Fowler, Chad Wackerman, Ike Willis, Scott Thunes y Ray White, es indudable que Zappa podía darse el gusto de hacer lo que quisiera. De hecho, este es solo uno de los tres álbumes grabados durante esta gira del '88: Broadway the Hard Way y Make a Jazz Noise Here son los otros dos. Ambos, si bien maravillosos y desbordantes de música, no presentan un panorama tan amplio y aventurado del universo de Frank como este.

Con presencia particularmente fuerte de vientos (hay saxos, trompetas, clarinetes y trombones para tirar para arriba) y un swing jazzero descomunal, en The Best Band... el conjunto recorre temas impresionantes del repertorio zappeano (The Eric Dolphy Memorial Barbecue, The Torture Never Stops, Cosmik Debris, Who Needs the Peace Corps? y tantos etcéteras) y numerosos covers brillantes (desde Purple Haze hasta el Boléro de Maurice Ravel, pasando por Sunshine of Your Love, los temas de Bonanza y El Padrino II y versiones reggae de Ring of Fire de Johnny Cash y Stairway to Heaven), correctamente deformados, en estilo y a veces en intención, para adaptarlos a las posibilidades de semejante agrupación y al sarcasmo del -por aquellos días casi cincuentón- bigotudo.

El vértigo usual está presente; el humor caricaturesco, políticamente incorrecto, también. Los diálogos on stage, como suele ocurrir, son desternillantes. Cambios de ritmo constantes, cortes sorprendentes, velocidades inhumanas, imaginación infinita. La guitarra de Zappa se roba la escena y aporta mil colores, como siempre, sobre todo en versiones brillantes como las de Zomby Woof o Zoot Allures. Los arreglos para big band también figuran, al igual que los arreglos electrónicos, los sintetizadores y los tipos más variados de percusión. Y es eso, en definitiva, lo que se suele esperar de un disco de Frank de estas características. Las innovaciones y búsquedas nuevas -me refiero, en especial, a las emprendidas durante los 80s, en los ámbitos de la música de cámara, clásica, electrónica y demás- siempre fueron apreciadas en él, pero al mismo tiempo nadie era, es -ni, posiblemente, será- capaz de grabar trabajos como este; de mezclar jazz, canción, blues, rock progresivo, reggae y música electrónica con semejante creatividad y libertad. O, debería decir, sencillamente de mezclarlos.

Disc One:
01 - Heavy Duty Judy
02 - Ring of Fire
03 - Cosmik Debris
04 - Find Her Finer
05 - Who Needs the Peace Corps?
06 - I Left My Heart in San Francisco
07 - Zomby Woof
08 - Bolero
09 - Zoot Allures
10 - Mr. Green Genes
11 - Florentine Pogen
12 - Andy
13 - Inca Roads
14 - Sofa #1
Disc Two:
15 - Purple Haze
16 - Sunshine of Your Love
17 - Let's Move to Cleveland
18 - When Irish Eyes Are Smiling
19 - "Godfather Part II" Theme
20 - A Few Moments With Brother A. West
21 - The Torture Never Stops, Part One
22 - Theme from "Bonanza"
23 - Lonesome Cowboy Burt [Swaggart Version]
24 - The Torture Never Stops, Part Two
25 - More Trouble Every Day [Swaggart Version]
26 - Penguin in Bondage [Swaggart Version]
27 - The Eric Dolphy Memorial Barbecue
28 - Stairway to Heaven

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"Univers Zero", aka "1313" (1977)

2008-09-14T21:59:00.000-07:00

Dos años antes de hacerse relativamente conocidos gracias al excelente Heresie, los Univers Zero grababan este debut homónimo, reeditado en 1984 bajo el nombre 1313. Por algún motivo, este septeto belga suele ser menos recordado que otras agrupaciones RIO de la época como Stormy Six, Etron Fou Leloublan, Henry Cow o Samla Mammas Manna; injustificadamente, a mi entender, ya que varios de sus álbumes son joyas; oscuras, riquísimas joyas de tinte gótico.

Este primer disco es instrumental y mayormente acústico, y hace un uso mucho menos "rockerizado" de sus influencias clásicas que la mayoría de los grupos prog del momento. En realidad, lo que suele entenderse por "rock" está virtualmente ausente en 1313. Carente de todo tipo de pomposidad o deslumbres coloridos, esta música de los primeros Univers Zero envuelve con climas brumosos de historias de terror y escenarios enigmáticos. Los fantasmas de creadores como Stoker, Murnau, Lovecraft, Poe, Shelley o Christensen son convertidos en música, sin por eso recurrir a texturas disonantes ni explosiones extremas. Por el contrario, predomina la calma, la suavidad y la sugestión; cierta tensión erótica y escalofriante recorre cada segundo del disco.

Para mejor, la construcción de densidad y la intensidad tormentosa de 1313 no se limita a pasajes monótonos con atractivo solo en las texturas, sino que resulta de composiciones ágiles y entretenidas, vertiginosas y siempre cambiantes; casi expresionistas en los momentos más potentes. Entre fagotes, violines, violas, violonchelos y armonios, los Univers Zero consiguen el clima de horror que buscaron numerosos artistas posteriores -a mi entender, casi siempre infructuosamente. Tal vez porque a mí el verdadero horror psicológico siempre me surtió más efecto que el gore y el shock gratuito.

01 - Ronde
02 - Carabosse
03 - Docteur Petiot
04 - Malaise
05 - Complainte

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"A Divina Increnca" (1980)

2008-09-13T20:38:00.000-07:00

A Divina Increnca es el único álbum del maravilloso trío homónimo formado por Felix Wagner, Rodolfo Stroeter y Azael Rodrigues. Los dos primeros formaban parte por aquellos días del Grupo Um, genial proyecto del baterista Zé Eduardo Nazario. Aunque tal vez lo ignorasen, al unirse a Rodrigues y crear A Divina Increnca, ambos estaban dándole forma a una de las agrupaciones brasileras de jazz más innovadoras y memorables -si bien efímera- del momento.

En los temas más directos, como Cheguei, Lá e Tal,..., la formación es de piano, bajo y batería. Sin embargo, en el transcurso de todo el trabajo, las instrumentaciones van mutando, dándose lugar numerosos cambios de ritmo, combinaciones muy atractivas y experimentaciones sumamente satisfactorias. El sonido general es cristalino, orgánico, en parte debido a que casi todos los instrumentos que se ejecutan son acústicos. En A Divina Increnca hay percusiones densas que traen a la mente imágenes selváticas, momentos be-bop, cortes que toman por sorpresa, influencias de Hermeto Pascoal, pasajes de texturas suaves más cercanos a la vanguardia y varias melodías preciosas.

Como si eso fuera poco, también hay que agregar que el enfoque que le dan los músicos es ameno aunque nunca complaciente, que están de invitados el saxofonista Mauro Senise (cuyo solo en Frevo do Cheiro es descomunal) y el flautista Claus "Premê", y que logran un trabajo coherente más allá de lo variado. A Divina Increnca es colorido, sutil y juguetón; sin duda, un descubrimiento interesante para aquellos que busquen música latinoamericana con identidad, buen gusto y muchísima imaginación.

01 - Cheguei, Lá e Tal,...
02 - Canção Para Ela
.......Balão
03 - Friii-tz
04 - Ainda Bem Que Não Flalta Fauta
05 - Frevo do Cheiro (Nois Sofre + Nois Goza)
06 - A Lira e a Gira
07 - Ufa!
08 - Conforme o Dia (Filomena)

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Caravan - "Waterloo Lily" (1972)

2008-09-11T07:51:00.000-07:00

Con Waterloo Lily, Caravan logró envolver a sus melodías agradables y su refrescante búsqueda compositiva con una capa de jazz eléctrico. El motivo principal, se suele decir, fue la inclusión del tecladista Steve Miller. Es cierto que Miller, en especial cuando toca el piano eléctrico, le otorga a la música del cuarteto una textura jazzística sofisticada que hasta ahora se encontraba prácticamente ausente. Sus solos, siempre interesantísimos, refrescan los pasajes instrumentales; siempre impulsándolos hacia adelante, son Canterbury en su expresión más orgánica. Su estilo interpretativo, el elemento más "tradicional" del disco, logra justamente "destradicionalizar" aún más al sonido de la banda.

Sin embargo, pensar que Miller es el único factor responsable del giro de Waterloo Lily respecto de los tres discos anteriores de Caravan sería, creo yo, erróneo. Pye Hastings, Richard Sinclair y Richard Coughlan también encaran a su música desde una perspectiva nueva en este trabajo. Muy en especial Sinclair, cuyo bajo emprende búsquedas absolutamente radicales dentro de su universo. Si las composiciones se vieron influenciadas por el tocar del bajista, o si nuevas destrezas e intereses del músico fueron el paso inicial para configurar a esta vuelta de tuerca general, es algo que no puedo saber. Lo más probable, como suele ocurrir, es que ninguna de las opciones sea la adecuada, y que ambos factores se hayan dado simultáneamente. Lo cierto es que uno de los mayores atractivos del disco es cómo se dejaron de lado las guitarras acústicas y el clima pseudo-folk de ensueño de In the Land of Grey and Pink para mutar en esta especie de jam band jazzera entregada a melodías pop entre ritmos mid tempo que se escucha en Waterloo Lily. Y en esa reconfiguración general el trabajo de Sinclair es fundamental.

Por lo demás, Hastings canta y toca increíblemente bien, como siempre -encontrándole ciertos matices funk a su guitarra que antes casi no existían-, y Coughlan sigue demostrando ser el baterista más idóneo imaginable para la banda. También hay contribuciones de amigos canterbureanos como Phil Miller y Jimmy Hastings que, como es de imaginar, no hacen más que embellecer el panorama. Es cierto que Waterloo Lily no suele ser el disco más admirado del cuarteto, tal vez opacado por la innovación de su álbum debut o el status de In the Land of Grey and Pink. Para mí, sin embargo, el prog inglés pocas veces fue más brillante, libre y transparente que en este trabajo.

01 - Waterloo Lily
02 - a. Nothing at All
.......b. It's Coming Soon
.......c. Nothing at All (Reprise)
03 - Songs & Signs
04 - Aristocracy
05 - a. The Love in Your Eye
.......b. To Catch Me a Brother
.......c. Subsultus
.......d. Debouchement
.......e. Tilbury Kecks
06 - The World Is Yours

Bonus tracks:
01 - Pye's June Thing
02 - Ferdinand
03 - a. Looking Left, Looking Right
.......b. Pye's Loop

Waterloo Lily:
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Bonus tracks:
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You talk of all the many things that you have
and you smile from day to day
But no one has ever seen any of these
and those smiles just fade away
Someone keeps shouting out 'I want to know',
well I can't help singing this song
When they tell me that the devil is a gentleman too
I know I can't go wrong

(Fragmento de Aristocracy)

Albert Ayler Trio - "Spiritual Unity" (1965)

2008-09-08T19:24:00.000-07:00

Spiritual Unity es el último álbum grabado por el trío que formaban el saxofonista tenor Albert Ayler, el bajista Gary Peacock y el baterista Sunny Murray. Con poca amabilidad y mucho esoterismo, todavía se mantiene como una obra fundamental para amantes del free jazz. La química grandiosa entre los músicos se da a partir de sonar como si realizaran el trabajo inverso al habitual: en lugar de complementarse y dialogar en lenguaje tradicional, los intérpretes parecen desentenderse de lo que los otros están tocando. Es en esta introspección profunda donde se da, parece, la verdadera y peculiarísima unidad. Sin embargo, a diferencia de lo que puede llegar a creerse a primera impresión, Ayler ha afirmado que al grabar Spiritual Unity "no estábamos tocando, estábamos escuchándonos mutuamente".

La música del álbum no resulta caótica ni agresiva; la revolución de Ayler pasa por otro lado. Los peculiarísimos sonidos que extrae de su saxo, y que a veces lo hacen asemejarse a un humano retorciéndose en éxtasis, resultan fundamentales para comprender a numerosos músicos posteriores -entre los más conocidos podría citarse, claro, a John Zorn- y han ofrecido una manera radicalmente distinta de hacer y escuchar jazz. La suerte de anti-groove que construyen Peacock y Murray es perfecta para complementar las texturas ásperas y las melodías distorsionadas del saxofonista.

01 - Ghosts: First Variation
02 - The Wizard
03 - Spirits
04 - Ghosts: Second Variation

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Miles Davis - "In a Silent Way" (1969) - re-subido

2008-09-07T01:07:00.000-07:00

Aunque no estaba caido, re-subí In a Silent Way de Davis, esta vez a zSHARE. También está disponible ahora para descargar a través del eMule. Todo acá.

Ben Monder - "Oceana" (2005)

2008-09-06T20:43:00.000-07:00

Oceana, quinto disco del guitarrista Ben Monder, es uno de esos trabajos que hacen pensar que Frank Zappa la estaba pifiando cuando bromeaba, allá por 1974, con que "jazz is not dead, it just smells funny" ("el jazz no está muerto, solamente huele raro"). Obviamente, se hizo muchísimo jazz genial desde 1974, y cito a esa frase de Zappa solamente para remarcar el carácter innovador, vital, de la obra de Monder en general, y de este disco en particular.

Con formación de guitarra eléctrica, bajo -Kermit Driscoll o Skuli Sverrisson- y batería -Ted Poor-, más voz en un par de temas a cargo de Theo Bleckmann, Ben no le tiene miedo ni a las improvisaciones valientes, ni a las composiciones largas, ni, por momentos, a la distorsión demoledora. El feeling general es reflexivo y ágil al mismo tiempo; muchas veces atonal y a la vez relativamente accesible. Rico en texturas, en paisajes sonoros orgánicos. Monder y compañía crearon un trabajo muy original a nivel compositivo: siempre fluido, y que pasa con facilidad de interacción saltarina a densidad abrumadora.

La música de Oceana nunca es demasiado romántica ni tampoco demasiado intelectual. Por el contrario, ambas características se encuentran relegadas a climas sutiles, acertadamente caracterizados como "profundidades acuáticas" por el periodista Nils Jacobson. Y otra cosa admirable que hace notar Jacobson es cómo el álbum logra mantener al oyente sumergido en esa profundidad durante setenta minutos de puro embrujo musical. Toda una maravilla.

01 - Still Motion
02 - Light
03 - Oceana
04 - Echolalia
05 - Double Sun
06 - Rooms of Light
07 - Spectre

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Neutral Milk Hotel - "In the Aeroplane Over the Sea" (1998)

2008-09-05T21:12:00.000-07:00

Una de las bandas más conocidas del colectivo Elephant 6, Neutral Milk Hotel logró con In the Aeroplane Over the Sea uno de los debuts pop más creativos y bellos de los 90s. Desde dulzuras con guitarra acústica y acordeón hasta distorsiones macizas que caen como en picada desde muy alto, enojadas. Efectos electrónicos usados para crear pinceladas de ensueño. Melodías innegablemente 90s cantadas con despreocupación y dejadez -por momentos, eso se traduce como "desafinado", pero funciona. Gaitas y órganos en un cachivache delicioso, sin título ni voces ni ataduras.

Jeff Mangum, un compositor excelente. Un disco que en su momento sorprendió, y que con el tiempo demostró estar a la altura del golpe inicial. Una canción bestial, Holland, 1945, que encuentra a Mangum canturreando divertido contra una pared grotesca con vientos decorativos. Un conjunto indie que, por fin, logra interpretar con imaginación y variedad las influencias psicodélicas y folk. Un instrumental con vientos en primer plano, que tiene algo de himno y mucho de lamento. En realidad, por todas partes predomina esto último. Lamentos. Y vale la pena escucharlos.

01 - The King of Carrot Flowers Pt. One
02 - The King of Carrot Flowers Pts. Two & Three
03 - In the Aeroplane Over the Sea
04 - Two-Headed Boy
05 - The Fool
06 - Holland, 1945
07 - Communist Daughter
08 - Oh Comely
09 - Ghost
10 -
11 - Two-Headed Boy Pt. Two

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When you were young
you were the king of carrot flowers,
and how you built a tower tumbling through the trees
in holy rattlesnakes that fell all around your feet

And your mom would stick a fork right into daddy's shoulder
and dad would throw the garbage all across the floor
as we would lay and learn what each other's bodies were for

(Fragmento de The King of Carrot Flowers Pt. One)

T Bone Burnett - "The Criminal Under My Own Hat" (1992) - re-subido

2008-08-31T19:42:00.000-07:00

Volví a subir The Criminal Under My Own Hat, de T Bone Burnett, acá.

Freddie Hubbard - "Here to Stay" (1962)

2008-08-31T17:34:00.000-07:00

Here to Stay fue grabado en diciembre de 1962, aunque Blue Note lo editó por primera vez en 1976. Es una pena que durante todos esos años esta maravilla haya quedado archivada sin salir a la luz, seguramente buscada por montones de melómanos que sabían de su existencia aunque estuvieran imposibilitados de oirlo. Esto es, porque según el escritor de jazz Bob Blumenthal el álbum figuraba, ya en 1963, en numerosos listados y publicidades del sello. Por suerte, Here to Stay, grabado durante un período sumamente prolífico de Hubbard, finalmente fue editado, y hoy se mantiene como uno de los mejores trabajos de comienzos de los 60s del trompetista, más allá de que no presente grandes innovaciones.

El punto fuerte del álbum recae en la cohesión del quinteto intérprete, en cómo se complementan mutuamente y van tejiendo durante toda la obra una gran red en la cual los instrumentos se rozan con sutileza y mucho acierto, gracias al oído notable para arreglar de todos los involucrados. Que el disco revele numerosos nuevos detalles en cada oída no es sorprendente, si se tiene en cuenta que los músicos que acompañan a Hubbard son Cedar Walton, Reggie Workman, Wayne Shorter y Philly Joe Jones. El primero, un intérprete tristemente infravalorado; los restantes, muchas veces reconocidos como tres de los mayores genios de sus días en sus respectivos instrumentos. Los dos puntos más altos de la obra son Philly Mignon, composición de Freddie que explota el costado rítmicamente más explosivo del hard-bop coltraneano, y el piano sabroso y colorido de Walton en temas como Nostrand and Fulton.

01 - Philly Mignon
02 - Father and Son
03 - Body and Soul
04 - Nostrand and Fulton
05 - Full Moon and Empty Arms
06 - Assunta

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Sonny Rollins - "Way Out West" (1957)

2008-08-31T16:35:00.000-07:00

Way Out West, uno de los grandes discos de jazz de los 50s, encuentra al saxofonista Sonny Rollins uniendo fuerzas por primera vez con el bajista Ray Brown y el baterista Shelly Manne, luego de una larga serie de trabajos junto a la base George Morrow / Max Roach y uno -Sonny Rollins, Vol. 1- con Gene Ramey remplazando a Morrow. La nueva compañía, al parecer, inspiró a Rollins como nunca antes.

Las interpretaciones de Way Out West están llenas de aire fresco, cosa que no sorprende si se tiene en cuenta que, por un lado, una de las características más notables de los tres músicos es su capacidad para desplegar su potencial jazzístico economizando en notas hasta niveles que pocos músicos alcanzan sin sonar vacíos. Por otra parte, la ausencia de más instrumentos permite que los músicos le entreguen al silencio el espacio que merece en la banda, sin rellenos gratuitos ni atropellos barrocos. El hecho de que no haya piano también elimina todo cable a tierra para Sonny a la hora de los solos.

El trío emprende un recorrido hard-bop abundante en melodías memorables y solos brillantes. Uno de los grandes hallazgos es la apertura, en la cual desdoblan y releen desde una óptica originalísima la composición de Johnny Mercer I'm an Old Cowhand. Si bien a priori parece incompatible con la sofisticación ilimitada de Rollins, el resultado es descomunal. Para mejor, funciona a la perfección como introducción a un álbum que juega con el western desde la portada y que en toda su trayectoria parece un tour de force amable por paisajes del oeste norteamericano, algunas veces tiroteándose a caballo, otras romántico y enamorado de su libertad. Algo irónico, si se considera que pocos trabajos de la discografía de Rollins rompen con lo tradicional tanto como este.

01 - I'm an Old Cowhand
02 - Solitude
03 - Come, Gone
04 - Wagon Wheels
05 - There Is No Greater Love
06 - Way Out West

Bonus tracks:
01 - I'm an Old Cowhand [Alternate take]
02 - Come, Gone [Alternate take]
03 - Way Out West [Alternate take]

Way Out West:
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Dr.Dopojam - "Entree" (1973) - re-subido

2008-08-27T14:51:00.001-07:00

Volví a subir Entree, de Dr.Dopojam, acá.

Astor Piazzolla - "Otoño Porteño" (1984) - re-subido

2008-08-25T07:20:00.000-07:00

Volví a subir Otoño Porteño, de Piazzolla, acá.

Fela and Afrika 70 - "Zombie" (1976)

2008-08-24T15:52:00.000-07:00

Afrobeat en una de sus expresiones más combativas, rítmicamente sabrosas e instrumentalmente complejas. No es reggae, no es funk, no es ska, pero tiene un poco de todo eso. Una banda enorme, con gran cantidad de vientos y percusiones. ¿Qué género/artista influenciado por música negra no bebió algo del torrente creativo de Fela Kuti y su gran conjunto Afrika 70?

El multi-instrumentista nigeriano le dio una vuelta de tuerca magnífica a los ritmos propios de su tierra nativa, nutriéndolos de otras músicas y logrando acercarlos a un público mucho mayor. Hay mucho jazz, por supuesto, y la huella que Kuti dejó en infinitos artistas latinos y centroamericanos es imborrable. Una pena que pocos hayan tenido su imaginación, su oído, su capacidad innovadora y -sobre todo- su nivel compositivo.

Y Zombie es uno de sus mejores trabajos, con dos piezas extensas e inabarcables en su variedad y riqueza. Para mejor, los dos bonus tracks de la edición de 2001 de Universal duplican la alegría y vitalidad, duplican los solos geniales y la camaradería improvisadora. Un Kuti imperdible, en todo su esplendor.

01 - Zombie
02 - Mister Follow Follow

Bonus tracks:
01 - Observation Is No Crime
02 - Mistake

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Agitation Free - "Malesch" (1972)

2008-08-24T15:23:00.000-07:00

Malesch, primer disco de los alemanes Agitation Free, posee muchas percusiones e infinitos pasajes de acidez abrumadora. La banda tiene una gran capacidad para construir ambientes tensos con lentitud y paciencia e influencias muy presentes de música de Europa del Este y el norte de África. Tribales y, como su nombre bien lo indica, free. Se sumergen en improvisaciones agotadoras, con cintas, ruidos y texturas deliciosas.

Música avant-garde, eléctrica y guitarrera, imaginada en entornos abiertos, en desiertos y sabanas. Áridos y místicos entre órganos, sintetizadores y demás aparatitos electrónicos. Una música bellísima, interesante como complemento de películas como Walkabout de Nicolas Roeg o La Vallée de Barbet Schroeder -aunque a esta última le sienta muy bien su música original, de Pink Floyd.

01 - You Play for Us Today
02 - Sahara City
03 - Ala Tul
04 - Pulse
05 - Khan el Khalili
06 - Malesch
07 - Rücksturz

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The Byrds - "Turn! Turn! Turn!" (1965) - Bonus tracks - re-subidos

2008-08-23T23:55:00.000-07:00

Volví a subir los bonus tracks de Turn! Turn! Turn! de los Byrds acá.

"Procol Harum" (1967) - re-subido

2008-08-23T21:44:00.000-07:00

Volví a subir el primer disco de Procol Harum y sus respectivos bonus tracks acá.

Arti+Mestieri - "Tilt (Immagini per un Orecchio)" (1974) - re-subido

2008-08-21T19:27:00.000-07:00

Volví a subir el primer disco de Arti+Mestieri, Tilt (Immagini per un Orecchio), acá.

Keith Jarrett - "The Köln Concert" (1975)

2008-08-21T17:23:00.000-07:00

En este magnífico disco a piano solo grabado en vivo en Köln, Alemania, el 24 de enero de 1975, queda claro el increíble oído de Keith Jarrett a la hora de crear melodías hermosas. Con un estilo interpretativo denso, apenas bombástico, que pasa con facilidad de la calma más pacífica a la tormenta más descomunal y luminosa, el músico recorre diversas facetas de su universo musical. Es sorprendente cómo Jarrett logra condensar en una obra de poco más de una hora tan numerosos paisajes e influencias, yendo y viniendo entre la música clásica, el jazz e incluso algunos elementos mínimos de ese jazz-rock rítmicamente apasionado y vital que suele trabajar cuando toca con banda.

De a ratos lúgubre, por momentos dulce y encantador, The Köln Concert es una experiencia necesaria para aquellos que deseen conocer, aunque sea en una pequeña porción, a la obra del pianista. Acá se lo puede disfrutar enamorado de su instrumento, tarareando las melodías, salpicando con gritos apagados a la música que interpreta. Una joya que logra contener en un puño, durante cada segundo de sus dos partes, a la respiración de los oyentes, en especial a la de la audiencia que estaba presente en Köln aquel 24 de enero -audiencia sin duda impactada por haber tenido la oportunidad de presenciar un concierto tan maravilloso y emocionante.

01 - Köln, January 24, 1975 Part I
02 - Köln, January 24, 1975 Part II a
03 - Köln, January 24, 1975 Part II b
04 - Köln, January 24, 1975 Part II c

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Daevid Allen's University of Errors - "Jet Propelled Photographs" (2004)

2008-08-20T20:06:00.000-07:00

Jet Propelled Photographs es un disco grabado por la Daevid Allen's University of Errors, que consiste en las composiciones de aquel disco softmachinesco llamado algunas veces At the Beginning y otras veces igual que este, que fue editado en 1976 por Charly Records y que consistía en demos grabados en 1967 por el cuarteto formado, por aquellos días, por Robert Wyatt en batería, Kevin Ayers en bajo, Mike Ratledge en órgano y Allen en guitarra.

Según comenta Daevid en las liner notes de este Jet Propelled Photographs, no estaba del todo satisfecho con su performance guitarrística en aquel disco, y decidió re-grabarlo con su nueva banda, completada por Josh Pollock, Michael Clare y Warren Huegel. En esta nueva grabación de aquellos viejos demos, sin embargo, Allen -que en 2004 tenía ni más ni menos que 66 años- decidió no tocar la guitarra y cederle las seis cuerdas en su totalidad a Pollock, dedicándose él solamente a cantar. Dos de los temas que figuran acá -Save Yourself y Hope for Happiness- se hicieron conocidos, no tanto por estar en aquellos demos originarios, sino por haber sido regrabados en 1968 para el primer LP de Soft Machine, que ya no contaba con Allen en la formación porque había partido para formar Gong.

El resultado es realmente delicioso. Al frente de una banda inyectada de energía, con un sonido "nuevo" y fresquísimo, Allen juega a este juego maravilloso de redescubrir composiciones de casi cuarenta años en una clave totalmente diferente. Ninguno de los temas del álbum fue escrito por él, aunque en muchos casos se encargó de modificar las letras para, como aclara en las liner notes, "cantar completamente desde mi corazón". Entre algunos pocos efectos electrónicos que transportan a los Neutral Milk Hotel y pasajes instrumentales que suenan a suerte de jam sessions post-punk, los cuatro músicos van construyendo un castillo gigante de distorsión y muros electrificados, siempre conservando en pequeñas dosis los ligeros toques blues y la psicodelia de las grabaciones originales. Acá hay aires a Sonic Youth, a los primeros Flaming Lips, a Dinosaur Jr. y a todo ese rock indie influenciado por los Crazy Horse, aunque, claro, alrededor de brillantes composiciones de genios canterbureanos como Wyatt, Ayers y los hermanos Hopper.

Es recomendable, eso sí, olvidarse en un cien por ciento de las grabaciones originales si se quiere disfrutar a esta interesantísima obra de la University of Errors. Sobre todo, no esperar para nada a Soft Machine. No sea cuestión de que en la comparación salga perdiendo alguno de los dos discos. Lo que sin duda va a sorprender a más de uno es cuán contemporáneas suenan canciones como Love Makes Sweet Music o That's How Much I Need You Now, que en ciertos aspectos podrían haber sido escritas tranquilamente hace quince años por alguien como Frank Black. Aunque, a mi gusto, nunca tan bien.

01 - That's How Much I Need You Now
02 - Save Yourself
03 - I Should've Known
04 - Shooting at the Moon (aka Jet Propelled Photographs)
05 - When I Don't Want You
06 - Memories
07 - You Don't Remember
08 - She's Gone
09 - I'd Rather Be With You
10 - Love Makes Sweet Music
11 - Feelin' Reelin' Squeelin'
12 - Hope for Happiness
13 - We Know What You Mean (Soon Soon Soon)

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Aquelarre - "Brumas" (1974) - re-subido

2008-08-20T15:12:00.001-07:00

Volví a subir Brumas, de Aquelarre, acá.

Novedades

2008-08-20T15:01:00.000-07:00

A partir de ahora, va a haber dos links de cada álbum posteado: uno, el tradicional, de descarga directa, y otro, el nuevo, de descarga eD2K. ¿Qué significa esto? Que el usuario de eMule va a poder clickear en esos links y bajar a los discos a partir de dicho, adorado, programa. Apenas suba un álbum nuevo a la Mula, voy a ponerlo en PowerRelease, cosa de que tenga la mayor prioridad.

El archivo a compartir va a ser el mismo en ambos casos. Cualquier consulta, mi nombre de usuario mulero es Josef Gaishun. Pueden mandarme privados sin piedad. Lo único que les pido, por favor, es que si bajan desde la Mula, mantengan a los .rar compartidos durante varios días.

Gracias y saludos.

Miles Davis - "In a Silent Way" (1969)

2008-08-19T20:18:00.000-07:00

Shhh. Pacífico. Silencioso. Pensá en una canción de cuna. O en el sonido de alguien tocando con calma, solo. Ciertamente no es el sonido de mucha actividad musical, espontánea o de cualquier otro tipo.

El entorno es un estudio de grabación, donde una serie de acontecimientos musicales han tenido lugar en un período de tiempo corto. Aparte de una composición, que resulta convertirse en el título del disco, todavía no se le han asignado nombres a nada. Para el oyente nuevo, el oyente del siglo XXI, la música que se ha creado en estas sesiones pueden sonar curiosamente poco fechadas, desligadas de cualquier movimiento o estilo, tal vez placenteramente desorientadoras. Pero hay acá cualidades familiares. Uno puede escuchar a los instrumentos, y a los mismos músicos. El oyente nuevo puede no reconocer un alma, pero los intérpretes son cualquier cosa menos reservados en el modo en que se expresan. Para el oyente nuevo, la música puede resultar amigable, extrañamente comfortable.

Con estas palabras comienzan las liner notes de John Ephland de la reedición 2002 de Columbia/Legacy de In a Silent Way. Y son palabras muy acertadas, de hecho, para describir y presentar a semejante obra maestra, inagotable y oscura. Sutil, calma, negrísima, hermosa, enigmática. Una de las joyas del período "fusionero" -expresión que sin duda le queda chica- de Davis. Para grabarla, se reunió con tipos que por aquel momento eran jóvenes, y que no por nada pasaron a convertirse en algunos de los nombres más repetidos y admirados del jazz mainstream de las últimas décadas: Wayne Shorter, Chick Corea, Herbie Hancock, Joe Zawinul, John McLaughlin, Tony Williams, Dave Holland.

Una formación sin dudas impactante, que logra crear una obra cargada de sentimiento, aunque deliciosamente minimalista. A veces, el ahorro de notas puede lograr que se perciban con mayor claridad las emociones del artista. In a Silent Way es un ejemplo perfecto de eso. Es un álbum construido a partir de susurros y murmullos, y que espiritualmente tiene más fuerza que todas las expresiones musicales de la naturaleza juntas. Parece que las composiciones estuvieran influenciadas por algunas corrientes de música electrónica, al trabajar a la repetición y la circularidad como vehículo para crear tensión y clima. Sin embargo, por supuesto, también hay algunas melodías, suaves y atrapantes, que parecen cantos de sirena que se deslizan con subliminalidad por las venas del oyente.

Esta joya, a fin de cuentas, ha sabido trastornar y reformular los lazos que unen al jazz con el resto del universo musical, nutriéndose de todo sonido bello existente y, al mismo tiempo, alejándose de cualquier tendencia o corriente para construir una galaxia musical nueva, que solo parece dejarse medir por parámetros propios.

01 - Shhh/Peaceful
02 - In a Silent Way/It's About That Time
.......a) In a Silent Way
.......b) It's About That Time
.......c) In a Silent Way

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Pere Ubu - "The Modern Dance" (1978)

2008-08-18T17:11:00.000-07:00

Cuando escucho la palabra "punk" no pienso en Anarchy in the UK ni en California Über Alles. No se me vienen a la cabeza London's Burning ni Three Girl Rumba; mucho menos Myage o Pay to Cum. Incluso una gran canción como To Be Someone (Didn't We Have a Nice Time) me suena un poco... débil, al lado del que considero el tema punk por excelencia, uno de los pocos capaces de resumir todas las influencias significativas para dicho estilo musical, sacarle de un plumerazo todo lo que suele tener de repetitivo y agotador y agregarle una dosis fundamental de -como leí por ahí- expresionismo. Me refiero, claro, a Non-Alignment Pact, el tema que abre The Modern Dance, el LP debut de Pere Ubu.

Con un riff que me transporta a lo mejor de los Rolling Stones, una desfachatez poco usual y la voz apocalíptica de David Thomas, el arranque de este disco no podría ser mejor. Increíblemente, los Pere Ubu saben cómo continuar semejante estallido rockero y a partir de ese tema disparan, durante la más de media hora restante, en infinitas direcciones extravagantes. Crean vientos polares desoladores y aullidos de fieras inexistentes a partir de los sintetizadores de Allen Ravenstine, construyen cascadas de caos tímbrico en la inclasificable Chinese Radiation, se adelantan al post punk con las bases de Tony Maimone y Scott Krauss, siempre a medio camino entre el free jazz y un muy peculiar hardcore en cámara lenta.

Encima de todo, colándose entre las guitarras de Tom Herman y los pasadizos multi-dimensionales de temas como Real World, está Thomas. Llorando, gritanto, aullando como un poseso, dando órdenes, suplicando, chillando... ufff, genera sensaciones musicales verdaderamente únicas al darle rienda suelta a su chifladura y erigirse como el alma máter de la agrupación. El resultado logra condensar numerosa música previa y posterior a 1977: en The Modern Dance hay rastros de los Talking Heads, de Brian Eno, de los Art Bears, de Van der Graaf Generator, de lo más extremo del kraut-rock, de los Pixies, de los Stooges, de Captain Beefheart, de lo que se ha dado en llamar post-rock y de miles de otros etcéteras. Es una experiencia única en su honestidad y desparpajo; en su surrealismo sonoro sin pretenciones cool ni posmodernas; en su desnudez brutal y su fiebre psicótica. Y, al mismo tiempo, la experimentación brillante y la búsqueda constante de temas como Laughing o Sentimental Journey no pueden más que dejar boquiabiertos a los oídos inquietos.

Es, en definitiva, el primer paso -a nivel LP, porque ya habían grabado un par de EP's antes- de un proyecto personalísimo que, aunque con resultados disímiles, ha sido siempre un muy buen vehículo de expresión para Thomas, uno de los tipos más curiosos y abiertos de la movida new wave.

01 - Non-Alignment Pact
02- The Modern Dance
03 - Laughing
04 - Street Waves
05 - Chinese Radiation
06 - Life Stinks
07 - Real World
08 - Over My Head
09 - Sentimental Journey
10 - Humor Me

pequeños discos rojos en una caja negra

Vredens Dag

Vergonzoso

National Health - "Of Queues and Cures" (1978) - re-subido

Zappa - "You Can't Do That On Stage Anymore, Vol. 2: The Helsinki Concert" (1974 / 1988)

John McLaughlin Trio - "Live at the Royal Festival Hall" (1989)

Monk - "Live at the It Club [Complete]" (1964)

National Health - "Of Queues and Cures" (1978)

"Paul Motian and the Electric Bebop Band with Joshua Redman" (1992)

Caravan - "For Girls Who Grow Plump in the Night" (1973) - re-subido

Miles Davis - "Seven Steps to Heaven" (1963) - bonus tracks re-subidos

"Duke Ellington's Far East Suite" (1967)

Larry Young - "Unity" (1965)

Arrigo Barnabé - "Tubarões Voadores" (1984)

Zappa - "The Best Band You Never Heard in Your Life" (1988 / 1991)

"Univers Zero", aka "1313" (1977)

"A Divina Increnca" (1980)

Caravan - "Waterloo Lily" (1972)

Albert Ayler Trio - "Spiritual Unity" (1965)

Miles Davis - "In a Silent Way" (1969) - re-subido

Ben Monder - "Oceana" (2005)

Neutral Milk Hotel - "In the Aeroplane Over the Sea" (1998)

T Bone Burnett - "The Criminal Under My Own Hat" (1992) - re-subido

Freddie Hubbard - "Here to Stay" (1962)

Sonny Rollins - "Way Out West" (1957)

Dr.Dopojam - "Entree" (1973) - re-subido

Astor Piazzolla - "Otoño Porteño" (1984) - re-subido

Fela and Afrika 70 - "Zombie" (1976)

Agitation Free - "Malesch" (1972)

The Byrds - "Turn! Turn! Turn!" (1965) - Bonus tracks - re-subidos

"Procol Harum" (1967) - re-subido

Arti+Mestieri - "Tilt (Immagini per un Orecchio)" (1974) - re-subido

Keith Jarrett - "The Köln Concert" (1975)

Daevid Allen's University of Errors - "Jet Propelled Photographs" (2004)

Aquelarre - "Brumas" (1974) - re-subido

Novedades

Miles Davis - "In a Silent Way" (1969)

Pere Ubu - "The Modern Dance" (1978)

Julie Driscoll / Brian Auger & The Trinity - "Streetnoise" (1969) - RE-UP

Bill Frisell - "Rambler" (1985)

Jack Bruce - "Songs for a Tailor" (1969)

Badfinger - "No Dice" (1970)

Wigwam - "Being" (1974)

Annette Peacock - "The Perfect Release" (1979)

John Abercrombie / Jan Hammer / Jack DeJohnette - "Timeless" (1974)

John Cale - "Fear" (1974)

Jeff Beck - "Truth" (1968)

Steely Dan - "Pretzel Logic" (1974)

Neil Young / Crazy Horse - "Zuma." (1975)

Donovan - "Barabajagal" (1969)

Area - "Arbeit Macht Frei / Il Lavoro Rende Liberi" (1973)

"Rock of Ages: The Band in Concert" (1972)

The Hollies - "Would You Believe?" (1966) - re-subido

Ornette Coleman - "Ornette on Tenor" (1961)

Adrian Belew - "Lone Rhino" (1982)

"Pappo's Blues" [Volumen I] (1971) - re-subido

Centipede - "Septober Energy" (1971) - re-subido

Tom Waits - "Swordfishtrombones" (1983)

"The United States of America" (1968) [Bonus tracks] - re-subido

Todd Rundgren's Utopia - "Another Live" (1975)

Dos resubidas de Steely Dan

Comus - "First Utterance" (1971) - re-subido

Pentangle - "Reflection" (1971)

The Mothers of Invention - "Weasels Ripped My Flesh" (1970)

Marc Johnson's Bass Desires - "Second Sight" (1987) - re-subido

McCoy Tyner - "Trident" (1975)

James Taylor - "Mud Slide Slim and the Blue Horizon" (1971) - re-subido

...y más...

...y varias re-subidas más

"The United States of America" (1968) - re-subido

Kevin Ayers - "Joy of a Toy" (1969) - re-subido

Bob Dylan - "Street Legal" (1978) - re-subido

Rodolfo Alchourron - "Talismán" (1994) - re-subido

Stephen Stills - "Manassas" (1972) - re-subido

The Residents - "Commercial Album" (1980)

Egg - "The Polite Force" (1971) - re-subido

"David Lebón" (1973)

Gilgamesh - "Another Fine Tune You've Got Me Into" (1978)

Wilco - "Yankee Hotel Foxtrot" (2000 / 2002) - re-subido

John Zorn / George Lewis / Bill Frisell - "More News for Lulu" (1989 / 1992)