Vredens Dag

Ante la eliminación automática y sin derecho a réplica de tres entradas del blog (cuestión sobre la que me explayé cuanto -poco- pude en el post anterior) y el temor a una caza de brujas desde Blogger en lo general y una eliminación definitiva de mi usuario en lo particular, he decidido pasarme a WordPress.

pequeños discos rojos ya tiene su pequeño espacio allá, pero recién en los próximos días podré diseñarlo de forma más personal y comenzar a subir discos. Por lo pronto, este es el link.


Saludos.

Vergonzoso

Vergonzoso. Blogger borró tres entradas de este blog sin avisar. O sea, avisando, pero sin esperar a que pueda guardar su contenido antes del borrado y cagándose olímpicamente en los comentarios de otros usuarios allí archivados. Veré de hacer un próximo traslado a otro servidor, aunque por cuestiones de tiempo no puedo asegurar nada.

Es detestable que les importen tan poco las pérdidas que puedan llegar a resultar del borrado automático de entradas. Acción puramente dictatorial. No tengo interés en seguir soportando ese tipo de decisiones.

Comento que los discos -y entradas- eliminados son: At War With the Mystics de los Flaming Lips, Tupelo Honey de Van Morrison y "Jeru" de Gerry Mulligan.


Saludos.

National Health - "Of Queues and Cures" (1978) - re-subido

Volví a subir a un servidor Of Queues and Cures de National Health, acá.

Zappa - "You Can't Do That On Stage Anymore, Vol. 2: The Helsinki Concert" (1974 / 1988)

Grabado en septiembre de 1974, al año siguiente del magnífico Roxy & Elsewhere, The Helsinki Concert es otra joya en vivo del Zappa pseudo-fusionero y compositivamente intrincadísimo de comienzos-mediados de los 70s. La cantidad de músicos, respecto de Roxy, disminuyó: Frank, Napoleon Murphy Brock, George Duke, Ruth Underwood, Tom Fowler y Chester Thompson. La música suena más ajustada y, por más difícil que resulte creerlo, las interpretaciones son aún más veloces y experimentadas que en el vivo anterior.

Como bien dice el bigotudo en las liner notes: "[...] the ultra fast tempos on the more difficult tunes demonstrate what happens when a band has played the material for a year, and is so comfortable with it they could probably perform it blindfolded" ("[...] los tempos ultra veloces en los temas más difíciles demuestran qué ocurre cuando una banda ha estado tocando el material por un año, y está tan cómoda con él que probablemente podría interpretarlo con los ojos vendados"). No es casual que, de los seis volúmenes de la serie You Can't Do That On Stage Anymore -editados entre 1988 y 1992; arreglados, producidos, compilados y editados por Frank-, este sea el único compuesto por la música de una sola agrupación. Todos los demás poseen grabaciones de diferentes conjuntos, alternando entre interpretaciones en vivo de diferentes épocas, para conformar una suerte de collage zappeano enorme y variadísimo.

Volviendo a este segundo volumen: la trilogía mágica de Roxy (Village of the Sun, Echidna's Arf (Of You) y Don't You Ever Wash That Thing?) está presente. También Cheepnis y Pygmy Twylyte; temas de los primeros Mothers, como The Idiot Bastard Son; canciones que aún no habían sido grabadas en estudio, como Inca Roads o Tush Tush Tush (A Token of My Extreme); y varias piezas reconstruidas de Uncle Meat. Y, lo que es mejor, temas que jamás fueron grabados en otros discos, como Room Service, Building a Girl y una curiosísima versión de Satumaa (Finnish Tango).

En estas grabaciones finlandesas también se encuentran algunos de los mejores solos de todos los involucrados; en especial de Zappa que, al ser el único guitarrista del conjunto, e interpretar una música que por momentos requiere tanta guitarra, tiene que darle rienda suelta a una variedad enorme de recursos. En otros momentos, desprende un hermoso sonido grueso, sucio, algo opaco, apenas metálico, que contrasta llamativamente con las notas danzantes, mínimas, veloces y fugaces de Duke y Underwood. El humor, claro, también está presente; ya sea en los diálogos o en las letras de las canciones.

Si bien el primer disco es ligeramente superior al segundo, escuchar de corrido a las casi dos horas de este álbum es sumergirse de lleno en una de las mejores facetas de Zappa, en la cual la sorpresa instrumental, la búsqueda melódica, la rítmica intrincada, el grotesco y la abstracción satírica se equilibran de forma perfecta.

Disc One:
01 - Tush Tush Tush (A Token of My Extreme)
02 - Stinkfoot
03 - Inca Roads
04 - RDNZL
05 - Village of the Sun
06 - Echidna's Arf (Of You)
07 - Don't You Ever Wash That Thing?
08 - Pygmy Twylyte
09 - Room Service
10 - The Idiot Bastard Son
11 - Cheepnis
Disc Two:
12 - Approximate
13 - Dupree's Paradise
14 - Satumaa (Finnish Tango)
15 - T'Mershi Duween
16 - The Dog Breath Variations
17 - Uncle Meat
18 - Building a Girl
19 - Montana (Whipping Floss)
20 - Big Swifty

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John McLaughlin Trio - "Live at the Royal Festival Hall" (1989)

El John McLaughlin Trio consistía en el guitarrista, Kai Eckhardt en bajo eléctrico y Trilok Gurtu en percusión. Este álbum, grabado en vivo el 27 de noviembre de 1989 en el Royal Festival Hall londinense, lo presenta en uno de sus picos de creatividad improvisadora y sutileza tímbrica. El sonido es puro, despojado de artificios. McLaughlin alterna entre guitarra acústica y su sintetizador de guitarra Photon, empleado con un máximo de buen gusto y tensión muda. El set percutivo de Gurtu parece flotar en el aire. Eckhardt es uno de los bajistas eléctricos más líricos que he escuchado en mucho tiempo.

Perfectos narradores instrumentales, pasan de calma absoluta apenas audible al mayor despliegue energético en un par de segundos y casi sin que se perciba. La apertura de Florianopolis tiene mucho de ese hermoso McLaughlin acústico pasional de Belo Horizonte. El jugueteo vocal amistoso de Blues for L.W. es una gloria. La versión de Blue in Green de Miles Davis, sencillamente bestial. Para amantes de su música y para los otros. Para amantes del jazz y para los otros. Que no sea uno de los discos más recordados de Juancito es una auténtica injusticia.

01 - Blue in Green
02 - a. Just Ideas
.......b. Jozy
03 - Florianopolis
04 - Pasha's Love
05 - Mother Tongues
06 - Blues for L.W.

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Monk - "Live at the It Club [Complete]" (1964)

Esta versión completa de los conciertos que Thelonious Monk y su cuarteto brindaron en el Club It el 31 de octubre y 1º de noviembre de 1964 son, creo, una muestra cabal de las asombrosas cualidades interpretativas del pianista -por si todavía hoy, alguien, en algún lugar, tiene ganas de ponerlas en duda. Porque más allá de la brillantez compositiva, la sensibilidad, la creatividad y el descomunal sentido rítmico, hay algo en esas manos que todavía me resulta difícil de descifrar; una especie de ductilidad sobrenatural que hacen posible la creación de algunas de las armonías más bellas imaginables.

La banda que lo acompaña -Charlie Rouse, Larry Gales, Ben Riley- es maravillosa; destacando en particular Rouse, cuyo saxo tenor cálido y apenas salvaje es un compañero ideal para el piano de Monk. Fluidez bop en su estado más racional y simultáneamente catártico; a la vez progresivo y circular. Y Thelonious siempre ingeniándoselas para inyectar melodías memorables en cada espacio posible. Más de dos horas y media de una de las más hermosas grabaciones en vivo de uno de los más geniales músicos del siglo. Well, You Needn't, Rhythm-a-ning, Straight, No Chaser, Misterioso... Ni un segundo de respiro.

Disc One:
01 - Blue Monk
02 - Well, You Needn't
03 - 'Round Midnight
04 - Rhythm-a-ning
05 - Blues Five Spot
06 - Bemsha Swing
07 - Evidence
08 - Nutty
09 - Epistrophy [Theme]
Disc Two:
10 - Straight, No Chaser
11 - Teo
12 - I'm Getting Sentimental Over You
13 - Misterioso
14 - Gallop's Gallop
15 - Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-Are
16 - Bright Mississippi
17 - Just You, Just Me
18 - All the Things You Are
19 - Epistrophy [Theme]

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National Health - "Of Queues and Cures" (1978)

El segundo disco de National Health, una de las más maravillosas bandas canterbureanas, cruza con eficacia la experimentación de -por ejemplo- Hatfield and the North con las búsquedas rítmicas jazzeras de -por ejemplo- Gilgamesh. Los músicos son cuatro de los más dúctiles y creativos de la escena: Phil Miller, Pip Pyle, John Greaves y Dave Stewart.

La guitarra de Miller es casi siempre ácida y desagradable. Stewart es de lo mejor del cuarteto cuando aporta armonías jazzeras con el piano eléctrico. Las composiciones son largas y cambiantes; siempre inquietas. Los músicos intercalan protagonismo con muy buen criterio. Un segundo predomina la saturación de Miller y los bajos se ponen oceánicamente invasivos, y al siguiente los cuatro están saltando entre notas chiquitas, hipnotizando con alguna melodía más o menos amena pero que indefectiblemente asusta al ser repetida más de tres veces. ¿Y cuando hacen un rock relativamente más convencional? Dreams Wide Awake tiene algunos de los efectos de guitarra más embrujados que escuché en mucho tiempo.

La pregunta fue, es y será cómo hacen estos muchachos para enganchar partes tan diversas y heterogéneas -casi nunca reiterando, casi siempre avanzando- con resultados tan positivos. Pura genialidad.

01 - The Bryden 2-Step (for Amphibians) [Part 1]
02 - The Collapso
03 - Squarer for Maud
04 - Dreams Wide Awake
05 - Binoculars
06 - Phlâkhatön
07 - The Bryden 2-Step (for Amphibians) [Part 2]

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"Paul Motian and the Electric Bebop Band with Joshua Redman" (1992)

El quinteto de este disco no tiene desperdicio: Paul Motian (batería), Joshua Redman (saxo tenor), Brad Schoeppach (guitarra), Kurt Rosenwinkel (guitarra) y Stomu Takeishi (bajo). Bop súper enérgico electrificado. Composiciones de Parker, Monk, Gillespie, Powell. Tanto groove de hard-bop cincuentero como rastros de la sofisticación del jazz eléctrico de Scofield, Frisell o Swallow. Una música que, sin ser necesariamente novedosa, es fresquísima y muy disfrutable. El disco valdría la pena, aunque más no fuera, por la sensibilidad de Motian y por los cruces entre las guitarras, tan dulces y hambrientas. La llevada admirable de Takeishi, los riffs enganchadores, y el sonido clásico, añejo, del saxo de Redman -al cual le dan espacio para varios solos geniales- hacen el resto.

01 - Shaw-Nuff
02 - I Waited for You
03 - Dance of the Infidels
04 - Darn That Dream
05 - Hot House
06 - Dizzy Atmosphere
07 - Scrapple from the Apple
08 - Scrapple from the Apple
09 - Monk's Dream
10 - 52nd Street Theme

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Caravan - "For Girls Who Grow Plump in the Night" (1973) - re-subido

Volví a subir For Girls Who Grow Plump in the Night de Caravan, acá.

Miles Davis - "Seven Steps to Heaven" (1963) - bonus tracks re-subidos

Volví a subir los bonus tracks de Seven Steps to Heaven, de Miles Davis, acá.

"Duke Ellington's Far East Suite" (1967)

Colaboración del compañero bloguero-melómano Psicodelia Pura. ¡Muchísimas gracias!

-> Dijo Psicodelia Pura:

Les envio una maravilla lanzada por el gran Duke Ellington en el año 1966, como consecuencia de la gira que había realizado junto con su banda por Medio Oriente 2 años antes.
Un gran disco, con melodias fantasticas para los oídos como "Blue Pepper", "Agra" o "Mount Harissa" solo por nombrar algunos. Una belleza por donde se lo escuche. Espero que lo disfruten.



-> Dijo Josef Gaishun:

Este hermoso trabajo de Duke Ellington y su gran banda, grabado a finales de 1966, resulta no solo uno de sus discos más atractivos de aquellos años -signados, en especial, por sus grabaciones junto a Ella Fitzgerald-, sino también una de las mejores introducciones a su mundo. Acompañado por bestias como el saxofonista Johnny Hodges, el trombonista Lawrence Brown y el trompetista Cootie Williams, el pianista se inspiró, a la hora de componer e interpretar Far East Suite, en viajes realizados junto a su orquesta por África y Asia durante 1963.

El sonido por momentos épico está presente. El swing descomunal, también. Y los arreglos de vientos trabajadísimos y bombásticos. Y la columna vertebral bajo/batería majestuosa. Y el viejo Ellington cargándose la orquesta al hombro, con un sentido melódico que ha marcado durante décadas a géneros como el soul o el rhythm and blues, y, por momentos, con una llevada dueña de más garra que casi todo el rock que se escucha hoy por ahí (quien no me crea, que escuche Blue Pepper (Far East of the Blues)). Texturas suaves, climas elegantes -aunque vitales, muy vitales-, y composiciones complejas y multi-climáticas para big band que, si bien habían roto estructuras varios años atrás, en este álbum -como en montones posteriores, de diversos artistas, de más está decirlo- siguen sonando descomunalmente frescas.

01 - Tourist Point of View
02 - Bluebird of Delhi (Mynah)
03 - Isfahan
04 - Depk
05 - Mount Harissa
06 - Blue Pepper (Far East of the Blues)
07 - Agra
08 - Amad
09 - Ad Lib on Nippon

Bonus tracks:
10 - Tourist Point of View [unissued alternate take]
11 - Amad [unissued alternate take]
12 - Bluebird of Delhi (Mynah) [previously issued alternate take]
13 - Bluebird of Delhi (Mynah) [unissued alternate take]
14 - Isfahan [previously issued alternate take]
15 - Depk [unissued alternate take]
16 - Mount Harissa [unissued alternate take]

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Duke Ellington's Far East Suite (re-up 24/12/08) @320 kbp/s
Bonus tracks (re-up 24/12/08) @320 kbp/s
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Larry Young - "Unity" (1965)

Tal vez necesite prestarle más oído al asunto, pero lo cierto es que no conozco a demasiados organistas capaces de interpretar a su instrumento con verdadera imaginación y un buen gusto absoluto. Menos aún, de poner al órgano en posición de instrumento líder y que el resultado sea plenamente satisfactorio. Sin embargo, Larry Young, músico de corta vida e igualmente corta -aunque intensa- carrera, logró con Unity una obra gloriosa, que está, tal vez, entre lo mejor de la música modal de su época.

Acompañado por Joe Henderson en saxo tenor, Woody Shaw en trompeta y Elvin Jones en batería, Young decide darle a su instrumento un empleo radicalmente diferente del usual. Su jazz no tiene nada de suave ni de relajado (digamos: nada de smooth-jazz), y hay poco de lo que más adelante daría en llamarse fusión. Por otra parte, tampoco podría considerarse a la música que hay acá como free jazz: las composiciones y solos poseen estructuras tradicionales y los estilos interpretativos de los cuatro músicos no son disonantes ni de difícil acceso. Hay ritmos ágiles y melodías preciosas, en especial de parte del bueno de Larry.

Aparte de la presencia de los descomunales Jones y Henderson, es notable la fuerte participación de Shaw en la creación del álbum. Más allá de la inestimable magia de su trompeta, tan vital, con fuertes raíces en el jazz de los 40s y 50s, el músico aporta tres composiciones descomunales, que se complementan a la perfección con una de Henderson, Monk's Dream de Thelonious y la hermosísima Softly As in a Morning Sunrise de Romberg y Hammerstein II. Ya la sola selección de estos dos últimos temas, sumada a la creatividad de los músicos involucrados, hace que el disco valga la pena. A eso hay que agregarle lo particular que resulta escuchar a un órgano como instrumento líder en un trabajo de jazz modal / post-bop. Y, después de escucharlo y disfrutarlo infinitas veces, hacerle caso a las palabras del crítico Bob Blumenthal: "tresaure this album, and share it with an organ-averse friend" ("atesora este disco, y compártelo con un amigo que sienta aversión por el órgano").

01 - Zoltan
02 - Monk's Dream
03 - If
04 - The Moontrane
05 - Softly As in a Morning Sunrise
06 - Beyond All Limits

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Arrigo Barnabé - "Tubarões Voadores" (1984)

Algunos relacionan a su música con la de Frank Zappa, y es cierto que algo de eso hay. Sin embargo, lo que hace Arrigo Barnabé, compositor, tecladista y cantante brasilero, se resiste a ser comparado y encasillado en ningún género o corriente. En Barnabé -y su segundo trabajo, Tubarões Voadores, es un excelente ejemplo- conviven instrumentaciones que parecen incompatibles, muchísima imaginación, sensibilidad en tono pop de cámara y ritmos que invitan a mover el cuerpo.

Por lo general, las bases tienen un aire fusionero, si bien la complejidad de la música no pasa nunca por la velocidad, los cortes inesperados ni los solos imposibles. Podría hablarse, creo yo, de que una de las mayores sorpresas que encierra un disco como Tubarões Voadores es la capacidad de crear composiciones que parecen ir siempre para adelante; con voces que cantan en la misma medida en que monologan y dialogan, mientras las instrumentaciones encierran muchas más variaciones de las que pueden apreciarse en una primera escuchada. Muchísimos teclados, más de sesenta músicos (!), varios arreglos deliciosos de vientos y cuerdas, y una sensación general cinematográfica, teatral; se perciben por todas partes historias, situaciones y personajes, sin por eso poder afirmarse que se trata de un disco conceptual.

La banda suena ajustadísima, conjugando muy bien enfoque con libertad interpretativa. Casi siempre se manejan en medio tempos. Muchos cantantes excelentes, coros, voces, gritos, chillidos; siempre con un trabajo melódico genial. Arrigo y su banda no pretenden trascender límites en lo que refiere a texturas, ni climas, ni experimentar por los caminos de lo abstracto; más bien, parece que quisieran crear un circo enorme, juguetón, con máscaras, maquillaje, disfraces y personajes estrafalarios. Escenarios fellinescos donde lo perturbador se convierte en alegría pura. Aunque tal vez no pretenda ser necesariamente novedosa, la música de Tubarões Voadores sí le apuesta a la frescura, al abordar estilos variados desde una óptica nueva, con la cabeza más puesta en el placer y la belleza que en la sofisticación y la transgresión. En cierto modo, sin embargo, Barnabé y sus compañeros logran ambas cosas.

01 - Tubarões Voadores
02 - Crotalus Terríficus
03 - Mística
04 - Neide Manicure Pedicure
05 - Canção do Astronauta Perdido
06 - Kid Supérfluo, Consumidor Implacável
07 - Papai Não Gostou
08 - Lenda
09 - A Europa Curvou-se Ante o Brasil
10 - Mirante

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Zappa - "The Best Band You Never Heard in Your Life" (1988 / 1991)

The Best Band You Never Heard in Your Life es uno de los discos en vivo más gigantes de Frank Zappa: grabado entre febrero y junio de 1988, y editado por primera vez recién en 1991, es uno de esos curiosos trabajos que pueden jactarse de ser capaces de mantener atento al oyente durante más de ciento treinta minutos, descomunales y multifacéticos.

Más allá de la broma del título, considero que la de este álbum es una de las mejores bandas de Zappa. Tal vez no esté a la altura de la frescura renovadora y rupturista de los primeros Mothers of Invention, ni sea la súper máquina fusionera del período '73/'74, pero sí me parece que hacía varios años que Frank no tocaba con un conjunto tan vital y estimulante como este. Con músicos como Bruce Fowler, Chad Wackerman, Ike Willis, Scott Thunes y Ray White, es indudable que Zappa podía darse el gusto de hacer lo que quisiera. De hecho, este es solo uno de los tres álbumes grabados durante esta gira del '88: Broadway the Hard Way y Make a Jazz Noise Here son los otros dos. Ambos, si bien maravillosos y desbordantes de música, no presentan un panorama tan amplio y aventurado del universo de Frank como este.

Con presencia particularmente fuerte de vientos (hay saxos, trompetas, clarinetes y trombones para tirar para arriba) y un swing jazzero descomunal, en The Best Band... el conjunto recorre temas impresionantes del repertorio zappeano (The Eric Dolphy Memorial Barbecue, The Torture Never Stops, Cosmik Debris, Who Needs the Peace Corps? y tantos etcéteras) y numerosos covers brillantes (desde Purple Haze hasta el Boléro de Maurice Ravel, pasando por Sunshine of Your Love, los temas de Bonanza y El Padrino II y versiones reggae de Ring of Fire de Johnny Cash y Stairway to Heaven), correctamente deformados, en estilo y a veces en intención, para adaptarlos a las posibilidades de semejante agrupación y al sarcasmo del -por aquellos días casi cincuentón- bigotudo.

El vértigo usual está presente; el humor caricaturesco, políticamente incorrecto, también. Los diálogos on stage, como suele ocurrir, son desternillantes. Cambios de ritmo constantes, cortes sorprendentes, velocidades inhumanas, imaginación infinita. La guitarra de Zappa se roba la escena y aporta mil colores, como siempre, sobre todo en versiones brillantes como las de Zomby Woof o Zoot Allures. Los arreglos para big band también figuran, al igual que los arreglos electrónicos, los sintetizadores y los tipos más variados de percusión. Y es eso, en definitiva, lo que se suele esperar de un disco de Frank de estas características. Las innovaciones y búsquedas nuevas -me refiero, en especial, a las emprendidas durante los 80s, en los ámbitos de la música de cámara, clásica, electrónica y demás- siempre fueron apreciadas en él, pero al mismo tiempo nadie era, es -ni, posiblemente, será- capaz de grabar trabajos como este; de mezclar jazz, canción, blues, rock progresivo, reggae y música electrónica con semejante creatividad y libertad. O, debería decir, sencillamente de mezclarlos.

Disc One:
01 - Heavy Duty Judy
02 - Ring of Fire
03 - Cosmik Debris
04 - Find Her Finer
05 - Who Needs the Peace Corps?
06 - I Left My Heart in San Francisco
07 - Zomby Woof
08 - Bolero
09 - Zoot Allures
10 - Mr. Green Genes
11 - Florentine Pogen
12 - Andy
13 - Inca Roads
14 - Sofa #1
Disc Two:
15 - Purple Haze
16 - Sunshine of Your Love
17 - Let's Move to Cleveland
18 - When Irish Eyes Are Smiling
19 - "Godfather Part II" Theme
20 - A Few Moments With Brother A. West
21 - The Torture Never Stops, Part One
22 - Theme from "Bonanza"
23 - Lonesome Cowboy Burt [Swaggart Version]
24 - The Torture Never Stops, Part Two
25 - More Trouble Every Day [Swaggart Version]
26 - Penguin in Bondage [Swaggart Version]
27 - The Eric Dolphy Memorial Barbecue
28 - Stairway to Heaven

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"Univers Zero", aka "1313" (1977)

Dos años antes de hacerse relativamente conocidos gracias al excelente Heresie, los Univers Zero grababan este debut homónimo, reeditado en 1984 bajo el nombre 1313. Por algún motivo, este septeto belga suele ser menos recordado que otras agrupaciones RIO de la época como Stormy Six, Etron Fou Leloublan, Henry Cow o Samla Mammas Manna; injustificadamente, a mi entender, ya que varios de sus álbumes son joyas; oscuras, riquísimas joyas de tinte gótico.

Este primer disco es instrumental y mayormente acústico, y hace un uso mucho menos "rockerizado" de sus influencias clásicas que la mayoría de los grupos prog del momento. En realidad, lo que suele entenderse por "rock" está virtualmente ausente en 1313. Carente de todo tipo de pomposidad o deslumbres coloridos, esta música de los primeros Univers Zero envuelve con climas brumosos de historias de terror y escenarios enigmáticos. Los fantasmas de creadores como Stoker, Murnau, Lovecraft, Poe, Shelley o Christensen son convertidos en música, sin por eso recurrir a texturas disonantes ni explosiones extremas. Por el contrario, predomina la calma, la suavidad y la sugestión; cierta tensión erótica y escalofriante recorre cada segundo del disco.

Para mejor, la construcción de densidad y la intensidad tormentosa de 1313 no se limita a pasajes monótonos con atractivo solo en las texturas, sino que resulta de composiciones ágiles y entretenidas, vertiginosas y siempre cambiantes; casi expresionistas en los momentos más potentes. Entre fagotes, violines, violas, violonchelos y armonios, los Univers Zero consiguen el clima de horror que buscaron numerosos artistas posteriores -a mi entender, casi siempre infructuosamente. Tal vez porque a mí el verdadero horror psicológico siempre me surtió más efecto que el gore y el shock gratuito.

01 - Ronde
02 - Carabosse
03 - Docteur Petiot
04 - Malaise
05 - Complainte

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