"A Divina Increnca" (1980)

A Divina Increnca es el único álbum del maravilloso trío homónimo formado por Felix Wagner, Rodolfo Stroeter y Azael Rodrigues. Los dos primeros formaban parte por aquellos días del Grupo Um, genial proyecto del baterista Zé Eduardo Nazario. Aunque tal vez lo ignorasen, al unirse a Rodrigues y crear A Divina Increnca, ambos estaban dándole forma a una de las agrupaciones brasileras de jazz más innovadoras y memorables -si bien efímera- del momento.

En los temas más directos, como Cheguei, Lá e Tal,..., la formación es de piano, bajo y batería. Sin embargo, en el transcurso de todo el trabajo, las instrumentaciones van mutando, dándose lugar numerosos cambios de ritmo, combinaciones muy atractivas y experimentaciones sumamente satisfactorias. El sonido general es cristalino, orgánico, en parte debido a que casi todos los instrumentos que se ejecutan son acústicos. En A Divina Increnca hay percusiones densas que traen a la mente imágenes selváticas, momentos be-bop, cortes que toman por sorpresa, influencias de Hermeto Pascoal, pasajes de texturas suaves más cercanos a la vanguardia y varias melodías preciosas.

Como si eso fuera poco, también hay que agregar que el enfoque que le dan los músicos es ameno aunque nunca complaciente, que están de invitados el saxofonista Mauro Senise (cuyo solo en Frevo do Cheiro es descomunal) y el flautista Claus "Premê", y que logran un trabajo coherente más allá de lo variado. A Divina Increnca es colorido, sutil y juguetón; sin duda, un descubrimiento interesante para aquellos que busquen música latinoamericana con identidad, buen gusto y muchísima imaginación.

01 - Cheguei, Lá e Tal,...
02 - Canção Para Ela
.......Balão
03 - Friii-tz
04 - Ainda Bem Que Não Flalta Fauta
05 - Frevo do Cheiro (Nois Sofre + Nois Goza)
06 - A Lira e a Gira
07 - Ufa!
08 - Conforme o Dia (Filomena)

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Caravan - "Waterloo Lily" (1972)

Con Waterloo Lily, Caravan logró envolver a sus melodías agradables y su refrescante búsqueda compositiva con una capa de jazz eléctrico. El motivo principal, se suele decir, fue la inclusión del tecladista Steve Miller. Es cierto que Miller, en especial cuando toca el piano eléctrico, le otorga a la música del cuarteto una textura jazzística sofisticada que hasta ahora se encontraba prácticamente ausente. Sus solos, siempre interesantísimos, refrescan los pasajes instrumentales; siempre impulsándolos hacia adelante, son Canterbury en su expresión más orgánica. Su estilo interpretativo, el elemento más "tradicional" del disco, logra justamente "destradicionalizar" aún más al sonido de la banda.

Sin embargo, pensar que Miller es el único factor responsable del giro de Waterloo Lily respecto de los tres discos anteriores de Caravan sería, creo yo, erróneo. Pye Hastings, Richard Sinclair y Richard Coughlan también encaran a su música desde una perspectiva nueva en este trabajo. Muy en especial Sinclair, cuyo bajo emprende búsquedas absolutamente radicales dentro de su universo. Si las composiciones se vieron influenciadas por el tocar del bajista, o si nuevas destrezas e intereses del músico fueron el paso inicial para configurar a esta vuelta de tuerca general, es algo que no puedo saber. Lo más probable, como suele ocurrir, es que ninguna de las opciones sea la adecuada, y que ambos factores se hayan dado simultáneamente. Lo cierto es que uno de los mayores atractivos del disco es cómo se dejaron de lado las guitarras acústicas y el clima pseudo-folk de ensueño de In the Land of Grey and Pink para mutar en esta especie de jam band jazzera entregada a melodías pop entre ritmos mid tempo que se escucha en Waterloo Lily. Y en esa reconfiguración general el trabajo de Sinclair es fundamental.

Por lo demás, Hastings canta y toca increíblemente bien, como siempre -encontrándole ciertos matices funk a su guitarra que antes casi no existían-, y Coughlan sigue demostrando ser el baterista más idóneo imaginable para la banda. También hay contribuciones de amigos canterbureanos como Phil Miller y Jimmy Hastings que, como es de imaginar, no hacen más que embellecer el panorama. Es cierto que Waterloo Lily no suele ser el disco más admirado del cuarteto, tal vez opacado por la innovación de su álbum debut o el status de In the Land of Grey and Pink. Para mí, sin embargo, el prog inglés pocas veces fue más brillante, libre y transparente que en este trabajo.

01 - Waterloo Lily
02 - a. Nothing at All
.......b. It's Coming Soon
.......c. Nothing at All (Reprise)
03 - Songs & Signs
04 - Aristocracy
05 - a. The Love in Your Eye
.......b. To Catch Me a Brother
.......c. Subsultus
.......d. Debouchement
.......e. Tilbury Kecks
06 - The World Is Yours

Bonus tracks:
01 - Pye's June Thing
02 - Ferdinand
03 - a. Looking Left, Looking Right
.......b. Pye's Loop

Waterloo Lily:
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Bonus tracks:
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You talk of all the many things that you have
and you smile from day to day
But no one has ever seen any of these
and those smiles just fade away
Someone keeps shouting out 'I want to know',
well I can't help singing this song
When they tell me that the devil is a gentleman too
I know I can't go wrong

(Fragmento de Aristocracy)

Albert Ayler Trio - "Spiritual Unity" (1965)

Spiritual Unity es el último álbum grabado por el trío que formaban el saxofonista tenor Albert Ayler, el bajista Gary Peacock y el baterista Sunny Murray. Con poca amabilidad y mucho esoterismo, todavía se mantiene como una obra fundamental para amantes del free jazz. La química grandiosa entre los músicos se da a partir de sonar como si realizaran el trabajo inverso al habitual: en lugar de complementarse y dialogar en lenguaje tradicional, los intérpretes parecen desentenderse de lo que los otros están tocando. Es en esta introspección profunda donde se da, parece, la verdadera y peculiarísima unidad. Sin embargo, a diferencia de lo que puede llegar a creerse a primera impresión, Ayler ha afirmado que al grabar Spiritual Unity "no estábamos tocando, estábamos escuchándonos mutuamente".

La música del álbum no resulta caótica ni agresiva; la revolución de Ayler pasa por otro lado. Los peculiarísimos sonidos que extrae de su saxo, y que a veces lo hacen asemejarse a un humano retorciéndose en éxtasis, resultan fundamentales para comprender a numerosos músicos posteriores -entre los más conocidos podría citarse, claro, a John Zorn- y han ofrecido una manera radicalmente distinta de hacer y escuchar jazz. La suerte de anti-groove que construyen Peacock y Murray es perfecta para complementar las texturas ásperas y las melodías distorsionadas del saxofonista.

01 - Ghosts: First Variation
02 - The Wizard
03 - Spirits
04 - Ghosts: Second Variation

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Miles Davis - "In a Silent Way" (1969) - re-subido

Aunque no estaba caido, re-subí In a Silent Way de Davis, esta vez a zSHARE. También está disponible ahora para descargar a través del eMule. Todo acá.

Ben Monder - "Oceana" (2005)

Oceana, quinto disco del guitarrista Ben Monder, es uno de esos trabajos que hacen pensar que Frank Zappa la estaba pifiando cuando bromeaba, allá por 1974, con que "jazz is not dead, it just smells funny" ("el jazz no está muerto, solamente huele raro"). Obviamente, se hizo muchísimo jazz genial desde 1974, y cito a esa frase de Zappa solamente para remarcar el carácter innovador, vital, de la obra de Monder en general, y de este disco en particular.

Con formación de guitarra eléctrica, bajo -Kermit Driscoll o Skuli Sverrisson- y batería -Ted Poor-, más voz en un par de temas a cargo de Theo Bleckmann, Ben no le tiene miedo ni a las improvisaciones valientes, ni a las composiciones largas, ni, por momentos, a la distorsión demoledora. El feeling general es reflexivo y ágil al mismo tiempo; muchas veces atonal y a la vez relativamente accesible. Rico en texturas, en paisajes sonoros orgánicos. Monder y compañía crearon un trabajo muy original a nivel compositivo: siempre fluido, y que pasa con facilidad de interacción saltarina a densidad abrumadora.

La música de Oceana nunca es demasiado romántica ni tampoco demasiado intelectual. Por el contrario, ambas características se encuentran relegadas a climas sutiles, acertadamente caracterizados como "profundidades acuáticas" por el periodista Nils Jacobson. Y otra cosa admirable que hace notar Jacobson es cómo el álbum logra mantener al oyente sumergido en esa profundidad durante setenta minutos de puro embrujo musical. Toda una maravilla.

01 - Still Motion
02 - Light
03 - Oceana
04 - Echolalia
05 - Double Sun
06 - Rooms of Light
07 - Spectre

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Neutral Milk Hotel - "In the Aeroplane Over the Sea" (1998)

Una de las bandas más conocidas del colectivo Elephant 6, Neutral Milk Hotel logró con In the Aeroplane Over the Sea uno de los debuts pop más creativos y bellos de los 90s. Desde dulzuras con guitarra acústica y acordeón hasta distorsiones macizas que caen como en picada desde muy alto, enojadas. Efectos electrónicos usados para crear pinceladas de ensueño. Melodías innegablemente 90s cantadas con despreocupación y dejadez -por momentos, eso se traduce como "desafinado", pero funciona. Gaitas y órganos en un cachivache delicioso, sin título ni voces ni ataduras.

Jeff Mangum, un compositor excelente. Un disco que en su momento sorprendió, y que con el tiempo demostró estar a la altura del golpe inicial. Una canción bestial, Holland, 1945, que encuentra a Mangum canturreando divertido contra una pared grotesca con vientos decorativos. Un conjunto indie que, por fin, logra interpretar con imaginación y variedad las influencias psicodélicas y folk. Un instrumental con vientos en primer plano, que tiene algo de himno y mucho de lamento. En realidad, por todas partes predomina esto último. Lamentos. Y vale la pena escucharlos.

01 - The King of Carrot Flowers Pt. One
02 - The King of Carrot Flowers Pts. Two & Three
03 - In the Aeroplane Over the Sea
04 - Two-Headed Boy
05 - The Fool
06 - Holland, 1945
07 - Communist Daughter
08 - Oh Comely
09 - Ghost
10 -
11 - Two-Headed Boy Pt. Two

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When you were young
you were the king of carrot flowers,
and how you built a tower tumbling through the trees
in holy rattlesnakes that fell all around your feet

And your mom would stick a fork right into daddy's shoulder
and dad would throw the garbage all across the floor
as we would lay and learn what each other's bodies were for

(Fragmento de The King of Carrot Flowers Pt. One)

T Bone Burnett - "The Criminal Under My Own Hat" (1992) - re-subido

Volví a subir The Criminal Under My Own Hat, de T Bone Burnett, acá.

Freddie Hubbard - "Here to Stay" (1962)

Here to Stay fue grabado en diciembre de 1962, aunque Blue Note lo editó por primera vez en 1976. Es una pena que durante todos esos años esta maravilla haya quedado archivada sin salir a la luz, seguramente buscada por montones de melómanos que sabían de su existencia aunque estuvieran imposibilitados de oirlo. Esto es, porque según el escritor de jazz Bob Blumenthal el álbum figuraba, ya en 1963, en numerosos listados y publicidades del sello. Por suerte, Here to Stay, grabado durante un período sumamente prolífico de Hubbard, finalmente fue editado, y hoy se mantiene como uno de los mejores trabajos de comienzos de los 60s del trompetista, más allá de que no presente grandes innovaciones.

El punto fuerte del álbum recae en la cohesión del quinteto intérprete, en cómo se complementan mutuamente y van tejiendo durante toda la obra una gran red en la cual los instrumentos se rozan con sutileza y mucho acierto, gracias al oído notable para arreglar de todos los involucrados. Que el disco revele numerosos nuevos detalles en cada oída no es sorprendente, si se tiene en cuenta que los músicos que acompañan a Hubbard son Cedar Walton, Reggie Workman, Wayne Shorter y Philly Joe Jones. El primero, un intérprete tristemente infravalorado; los restantes, muchas veces reconocidos como tres de los mayores genios de sus días en sus respectivos instrumentos. Los dos puntos más altos de la obra son Philly Mignon, composición de Freddie que explota el costado rítmicamente más explosivo del hard-bop coltraneano, y el piano sabroso y colorido de Walton en temas como Nostrand and Fulton.

01 - Philly Mignon
02 - Father and Son
03 - Body and Soul
04 - Nostrand and Fulton
05 - Full Moon and Empty Arms
06 - Assunta

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Sonny Rollins - "Way Out West" (1957)

Way Out West, uno de los grandes discos de jazz de los 50s, encuentra al saxofonista Sonny Rollins uniendo fuerzas por primera vez con el bajista Ray Brown y el baterista Shelly Manne, luego de una larga serie de trabajos junto a la base George Morrow / Max Roach y uno -Sonny Rollins, Vol. 1- con Gene Ramey remplazando a Morrow. La nueva compañía, al parecer, inspiró a Rollins como nunca antes.

Las interpretaciones de Way Out West están llenas de aire fresco, cosa que no sorprende si se tiene en cuenta que, por un lado, una de las características más notables de los tres músicos es su capacidad para desplegar su potencial jazzístico economizando en notas hasta niveles que pocos músicos alcanzan sin sonar vacíos. Por otra parte, la ausencia de más instrumentos permite que los músicos le entreguen al silencio el espacio que merece en la banda, sin rellenos gratuitos ni atropellos barrocos. El hecho de que no haya piano también elimina todo cable a tierra para Sonny a la hora de los solos.

El trío emprende un recorrido hard-bop abundante en melodías memorables y solos brillantes. Uno de los grandes hallazgos es la apertura, en la cual desdoblan y releen desde una óptica originalísima la composición de Johnny Mercer I'm an Old Cowhand. Si bien a priori parece incompatible con la sofisticación ilimitada de Rollins, el resultado es descomunal. Para mejor, funciona a la perfección como introducción a un álbum que juega con el western desde la portada y que en toda su trayectoria parece un tour de force amable por paisajes del oeste norteamericano, algunas veces tiroteándose a caballo, otras romántico y enamorado de su libertad. Algo irónico, si se considera que pocos trabajos de la discografía de Rollins rompen con lo tradicional tanto como este.

01 - I'm an Old Cowhand
02 - Solitude
03 - Come, Gone
04 - Wagon Wheels
05 - There Is No Greater Love
06 - Way Out West

Bonus tracks:
01 - I'm an Old Cowhand [Alternate take]
02 - Come, Gone [Alternate take]
03 - Way Out West [Alternate take]

Way Out West:
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Bonus tracks:
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Dr.Dopojam - "Entree" (1973) - re-subido

Volví a subir Entree, de Dr.Dopojam, acá.

Astor Piazzolla - "Otoño Porteño" (1984) - re-subido

Volví a subir Otoño Porteño, de Piazzolla, acá.

Fela and Afrika 70 - "Zombie" (1976)

Afrobeat en una de sus expresiones más combativas, rítmicamente sabrosas e instrumentalmente complejas. No es reggae, no es funk, no es ska, pero tiene un poco de todo eso. Una banda enorme, con gran cantidad de vientos y percusiones. ¿Qué género/artista influenciado por música negra no bebió algo del torrente creativo de Fela Kuti y su gran conjunto Afrika 70?

El multi-instrumentista nigeriano le dio una vuelta de tuerca magnífica a los ritmos propios de su tierra nativa, nutriéndolos de otras músicas y logrando acercarlos a un público mucho mayor. Hay mucho jazz, por supuesto, y la huella que Kuti dejó en infinitos artistas latinos y centroamericanos es imborrable. Una pena que pocos hayan tenido su imaginación, su oído, su capacidad innovadora y -sobre todo- su nivel compositivo.

Y Zombie es uno de sus mejores trabajos, con dos piezas extensas e inabarcables en su variedad y riqueza. Para mejor, los dos bonus tracks de la edición de 2001 de Universal duplican la alegría y vitalidad, duplican los solos geniales y la camaradería improvisadora. Un Kuti imperdible, en todo su esplendor.

01 - Zombie
02 - Mister Follow Follow

Bonus tracks:
01 - Observation Is No Crime
02 - Mistake

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Agitation Free - "Malesch" (1972)

Malesch, primer disco de los alemanes Agitation Free, posee muchas percusiones e infinitos pasajes de acidez abrumadora. La banda tiene una gran capacidad para construir ambientes tensos con lentitud y paciencia e influencias muy presentes de música de Europa del Este y el norte de África. Tribales y, como su nombre bien lo indica, free. Se sumergen en improvisaciones agotadoras, con cintas, ruidos y texturas deliciosas.

Música avant-garde, eléctrica y guitarrera, imaginada en entornos abiertos, en desiertos y sabanas. Áridos y místicos entre órganos, sintetizadores y demás aparatitos electrónicos. Una música bellísima, interesante como complemento de películas como Walkabout de Nicolas Roeg o La Vallée de Barbet Schroeder -aunque a esta última le sienta muy bien su música original, de Pink Floyd.

01 - You Play for Us Today
02 - Sahara City
03 - Ala Tul
04 - Pulse
05 - Khan el Khalili
06 - Malesch
07 - Rücksturz

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The Byrds - "Turn! Turn! Turn!" (1965) - Bonus tracks - re-subidos

Volví a subir los bonus tracks de Turn! Turn! Turn! de los Byrds acá.

"Procol Harum" (1967) - re-subido

Volví a subir el primer disco de Procol Harum y sus respectivos bonus tracks acá.